Una historia oral de 'Lilo & Stitch', una mano

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Al ver Lilo & Stitch, ya sea por primera vez o por cuadragésima vez, siempre sorprende un poco descubrir que comienza en los confines del espacio, en la sede de la Federación Galáctica en el Planeta Turo. Uno olvida que la película de Disney de 2002, escrita y dirigida por Christopher Sanders y Dean DeBlois, es, técnicamente hablando, ciencia ficción: la historia de una criatura experimental increíblemente poderosa y destructiva, diseñada por un científico loco de un mundo alienígena, que choca... aterriza en la Tierra solo para encontrar una familia amorosa en Hawai. Esa discordante discrepancia entre el gran marco interestelar de la película y la naturaleza amable, íntima e incluso discreta de su historia es parte del encanto poco ortodoxo de Lilo & Stitch, una imagen tan maravillosamente extraña que es difícil creer que alguna vez se haya hecho.

Visualmente, la película es una maravilla. Los personajes redondeados, basados ​​en los diseños de Sanders, contrastaban fuertemente con la estética exagerada de Disney de la época. Los fondos de acuarela, que utilizan un formato de pintura extraordinariamente difícil que no se había visto en una función de Disney desde la década de 1940, agregan un estado de ánimo soñador pero táctil a los procedimientos. Pero lo que hace que Lilo & Stitch sea tan indeleble es la forma en que cuenta una historia que, a pesar de toda su ornamentación de ciencia ficción, se enfoca principalmente en personajes que se ven y se sienten como personas comunes con problemas del mundo real. Sí, hay un agente demoníaco del caos con seis extremidades y una boca llena de dientes enormes. Sí, hay espías del espacio exterior (uno con un ojo, el otro con cuatro) persiguiéndolo. Sí, Ving Rhames aparece expresando un riff de su personaje de Pulp Fiction. Pero de alguna manera todo se reduce a la idea conmovedora de que haces tu propia familia, y esa familia significa que nadie se queda atrás.

Esta película es la más extraña y delicada de las combinaciones. Incluso las personas que lo hicieron todavía se maravillan, 20 años después, de lo que pudieron lograr con poco dinero y tiempo. Lilo & Stitch se hizo lejos de la sede de Disney en Burbank, California, y se produjo casi en su totalidad en un estudio de animación en Orlando, Florida, con un grupo de artistas jóvenes, hambrientos y muy unidos, ansiosos por demostrar lo que podían lograr. Lo que crearon terminó siendo uno de los pocos puntos brillantes de principios de la década de 2000 para Disney, durante un período de intenso examen de conciencia y luchas internas en la empresa. Sigue siendo, hasta el día de hoy, una de las películas más queridas de Disney.

Si bien la década de 1990 vio éxitos desbocados como La bella y la bestia y El rey león, la segunda mitad de la década descubrió que Walt Disney Studios comenzó a preocuparse por la dirección de sus producciones animadas. Jeffrey Katzenberg partió en 1994. Durante los siguientes años, títulos caros como Hércules y Fantasía 2000 no lograron cumplir con las expectativas de taquilla, mientras que otras películas parecían estancadas en el desarrollo. Fue en ese ambiente que la casa de animación decidió hacer una película más pequeña, más personal, producida con menor presupuesto en el estudio de la compañía en Florida, que abrió en 1989 y ya se había distinguido con su trabajo en Mulan (1998). El elegido para dirigir la nueva producción fue Christopher Sanders, quien había coescrito Mulan y también había trabajado en La Bella y la Bestia y El Rey León. Junto a él estaba Dean DeBlois, quien había trabajado en estrecha colaboración con Sanders como codirector de la historia de Mulan.

Thomas Schumacher (ejecutivo creativo de Disney): Todo comenzó en 1997 en la granja familiar de Michael Eisner en Vermont. Asistieron unas 21 personas, incluidos Roy y Patty Disney, Peter Schneider y yo. Recogimos manzanas, tallamos calabazas y hablamos de animación. La idea era, hagamos el Dumbo para nuestra generación. Una película basada en un director que no fuera enorme ni complicada y, por lo tanto, les daría a los animadores más control sobre ella.

Chris Sanders (codirector, coguionista y voz de Stitch): Diecisiete años antes de presentar Lilo & Stitch, quería hacer un libro para niños sobre esta pequeña criatura que vivía en un bosque. Era un poco como un monstruo sin una explicación real de dónde venía. Se trataba de cómo encontró una manera de pertenecer. Pero después de hacer un par de dibujos, me di cuenta de que la idea iba a ser muy difícil de reducir a, digamos, 24 páginas. Así que lo abandoné.

Schumacher: Chris fue extraordinario. Chris creó cosas asombrosas. Hizo "No puedo esperar para ser rey". Fue el jefe de la historia de Mulan e hizo una de las mejores secuencias: todo donde su padre arranca la flor y dice: "La flor que florece en la adversidad es la más rara y hermosa de todas". Creó el juego de la grúa para Toy Story. Esa cosa calvinista: "He sido elegido". Eso es todo Cris. Así que me acerqué a Chris y le dije: "Todo el mundo quiere que la próxima película seas tú".

Lijadoras: Fue entonces cuando presenté la película por primera vez. Todo estaba ambientado en el bosque con animales.

Schumacher: Las dos cosas que le dije fueron: "No quieres que viva en un mundo lleno de animales que no saben lo que es un extraterrestre. Un extraterrestre entre los animales no es tan notable como un extraterrestre entre los humanos". Además, dije: "El bosque es simplemente verde sobre verde sobre verde". Dije: "Visualmente, imagina el color". Inicialmente sugerí Tahití. Siempre quise ir porque mi bisabuela nació en Tahití.

Lijadoras: Tenía un mapa de Hawai en mi pared. Yo había estado de vacaciones allí. Un día pensé, Espera un minuto, ¿por qué no podía dejarlo ahí? En ese momento no conocía a nadie que fuera hawaiano con quien pudiera consultar, así que recurrí a una hoja de ruta y comencé a sacar nombres. Encontré a Lilo Lane y encontré la palabra Nani allí, y estos me sonaron como nombres. Luego me fui a Palm Springs y pasé una semana encerrada en una habitación de hotel. Pensé, si digo "alienígena", todos van a tener una interpretación diferente de lo que es. Así que voy a hacer un libro que tenga dibujos para que entiendan. Creé, en cierto sentido, ese libro para niños. Dibujé a Stitch y traté de construir un modelo de él. Era este conglomerado de diferentes animales. Tenía unos trozos de cangrejo que había comprado en una marisquería. Hice una cabeza de arcilla. Encontré unos ojos de cristal en la tienda de taxidermia. Lo traje de Palm Springs y se lo di a Tom y al departamento de desarrollo. Fue entonces cuando Tom se recuperó y dijo: "Lo haré si está en tu estilo".

Dean DeBlois (codirector y coguionista): Tom Schumacher y Peter Schneider quedaron encantados con el libro y dijeron: "Haremos esto con un presupuesto más bajo. La condición es que tienes que volver a Florida", donde acabábamos de terminar Mulan, "y usar ese estudio para producir". completamente". Florida era principalmente un estudio satelital en ese momento.

Lijadoras: Sabía que ese era el lugar correcto. Ese estudio era como lo que eran los estudios de Disney en los años 30, en los años 40: artistas jóvenes que tenían hambre, que estaban motivados, que querían demostrar su valía y que tenían un talento inmenso.

Pam Coats (vicepresidenta sénior de desarrollo creativo en Disney): Parte de la alegría del estudio de Florida era que, en cierto modo, estaba apartado de lo cotidiano. Estaba fuera de la vista, fuera de la mente.

Lijadoras: Recuerdo haber ido a la fiesta de despedida de Hércules, que era gigantesca. Me encontré con Michael Eisner. Me gusta mucho Michael, pero no tenemos mucho en común. Es súper agradable y una persona fascinante, pero realmente le gusta el hockey y yo no sé nada de hockey. Hablamos un poco y luego Michael dijo: "Bueno, creo que será mejor que salga y me mezcle". Y se fue. No pasó mucho tiempo antes de que regresara, y estaba mirando a su alrededor, y dijo: "No conozco a nadie aquí. Creo que estos se han vuelto demasiado grandes". Estaba haciendo eco de algo que yo estaba sintiendo. Las cosas se habían vuelto más y más grandes y más grandes. Pero cuanto más grandes se hacían, más difíciles de manejar. Tienes presupuestos más grandes, pero eso significaba que tenías que ser, de una manera extraña, más cuidadoso.

DeBlois:Esta película se haría fuera de la red, lejos de los ojos vigilantes de los líderes de Disney.

Las producciones animadas de Disney tardaron años en realizarse, generalmente después de muchas rondas de proyecciones, notas del liderazgo del estudio y reescrituras. A finales de los 90 y principios de los 2000, varios proyectos costosos de Disney estaban en desorden: Treasure Planet; Kingdom of the Sun, que se convertiría en The Emperor's New Groove; y Sweating Bullets, que se convertiría en Home on the Range, entre ellos. Los dolores asociados con la intromisión corporativa comprensiblemente pusieron nerviosos a escritores, animadores y directores. El propio Christopher Sanders recordó varios encuentros en la sala de proyección de Disney en la ciudad de Nueva York que prácticamente lo marcaron de por vida. "Nunca pasó nada bueno en esa habitación", dice.

Lijadoras: Jeffrey Katzenberg una vez me llevó a la ciudad de Nueva York porque quería que hiciéramos West Side Story con gatos. Abordé esta enorme secuencia en la que estos gatos luchaban entre sí. Jeffrey dijo: "Vamos a volar a Nueva York y se lo vas a proponer a Leonard Bernstein". De repente, estaba en el jet corporativo de Disney. Fui a la habitación y puse todas las tablas, y practiqué y practiqué y practiqué. Al final resultó que, Leonard Bernstein no se presentó a la reunión. Envió representantes. Estoy seguro de que eran personas de cierta prominencia; había una mujer en particular que tenía muchos collares. Pero se notaba que no iba bien. Como, Oh, creo que podemos haber cometido un error al venir aquí.

Schumacher: Hubo otro momento que probablemente informó a Chris. Al final de Mulan, ella dice: "Padre, te traigo tesoros del emperador para honrar a la familia del Fa". Ella le da todas estas cosas y él las tira al suelo. Él la agarra, la abraza y le dice: "Tenerte como hija es el mayor honor de todos". Me hace llorar cada vez que lo veo. De hecho, estoy llorando contándote la maldita anécdota. Lo proyectamos en Nueva York para Michael Eisner. Y Mulan no empujó a Michael en absoluto. Al final, literalmente gritó: "¿Quién es el tipo en el banco?" Chris estaba un poco nervioso por las notas de Michael después de eso.

Lijadoras: Me senté justo detrás de Michael Eisner en una proyección del Rey León. Había tenido una mañana muy difícil. Habíamos oído hablar de eso antes: "Ha tenido algunas reuniones malas". Todo el mundo tenía un bolígrafo iluminado, así que sabías cuando alguien estaba tomando una nota porque escuchabas un clic y se encendía una lucecita. Estaba esperando a que Michael escribiera cosas. Pero creo que solo estaba consumido por lo que había sucedido más temprano en el día. Cuando estaba viendo la película, bajaba la cabeza y miraba hacia un lado, y luego volvía a bajar la cabeza, miraba a su alrededor y volvía a bajar la cabeza. Siguió haciendo eso a lo largo de la película. En ese momento crucial, cuando Simba ha crecido y se encuentra con Rafiki, quien le dice que mire al agua. Simba dice: "No veo nada". Rafiki dice: "No, mira con más atención". En ese momento, Michael Eisner mira hacia abajo. Entonces aparece el fantasma de Mufasa y dice: "Simba, eres más de lo que te has convertido. Eres el único rey verdadero", y Michael mira hacia abajo todo el tiempo. Mufasa dice: "Recuerda quién eres". Las nubes retroceden. Y entonces Michael mira hacia arriba. Después fuimos a la reunión y Michael dijo: "Ni siquiera sé por qué Simba volvió a casa". No podía levantarme y decir: "¡Se lo perdió! ¡No lo vio!" Jeffrey Katzenberg dice: "Bueno, el fantasma de Mufasa volvió por él". Michael dice: "Oh, no entendí eso en absoluto". Jeffrey dice: "¿Cómo pudiste perderte eso?" Michael dice: "No sé. Simplemente no vi eso. ¿Qué pasó? Mustafá, ¿quién?"

Ese es el tipo de cosas por las que Lilo & Stitch nunca pasaron. Cada vez que Tom iba a sus numerosas reuniones en el lote principal y Michael Eisner estaba allí, revisaban su agenda. Él decía: "Entonces, ¿qué es todo esto de Lilo & Stitch?" Y Tom decía: "Oh, esto es lo que estamos haciendo. Todavía no está realmente listo, pero cuando esté listo te lo mostraremos". Una vez más, me gusta Michael, pero la película desafió las convenciones, y probablemente habrían intentado ponerla en un molde con el que estuvieran más familiarizados. ¿Cómo te sientas ahí y explicas: "Bueno, creo que es genial que la chica le dé mantequilla de maní a un pez"?

Schumacher: Cuando se hizo Dumbo, Walt estaba en América del Sur. No estaba presente cuando Dick Huemer y Joe Grant estaban haciendo esa película. Roy Disney estuvo mucho tiempo en la sala con Lilo & Stitch, pero Roy era un admirador extraordinario y un gran apoyo. Él simplemente entraba, daba una nota y se iba.

Clark Spencer (productor):Tom realmente conocía los momentos correctos para atraer a la gente. Los momentos en los que la gente podría ver hacia dónde se dirigía la película y dar las notas que realmente la elevarían, en lugar de hacer que la gente dijera: "Bueno, ¿y si fuera algo completamente diferente?"

Kevin McDonald, voz de Pleakley: Ahora que soy un anciano y recuerdo todas las conversaciones, aquí voy: ¡Los Niños en el Salón eran así! En nuestra serie original, estábamos en Toronto y muy rara vez HBO volaba para vernos. Lorne Michaels solo hacía el vuelo una vez al año. Eso fue principalmente para ver a su familia porque es de Toronto. Así que también estábamos escondidos así.

Lijadoras: Éramos el equivalente a un avión espía que se estaba construyendo en un hangar secreto con un grupo muy selecto de personas. Y esa es otra razón por la que Florida era mágica, porque nadie sabía lo que estaba pasando en Florida.

Lisa Poole (productora asociada): Estando en Florida, estabas lejos de la nave nodriza. Si necesitabas el apoyo de Los Ángeles, tenías que gritar un poco más fuerte. Pero eso nos dio libertad. Definitivamente hubo algunas cosas que hicimos de manera diferente. Y cuando LA se enteró, no les gustó que lo hiciéramos de manera diferente, pero no pudieron discutir los resultados.

Sanders había ambientado a Lilo & Stitch en Hawái, pero él y DeBlois comprendieron desde el principio que eran forasteros que buscaban hacer una película sobre una cultura específica y que, durante demasiado tiempo, Hawái había sido un hermoso y exótico telón de fondo para historias sobre personajes de la continente. Era importante que Sanders, DeBlois y su equipo investigaran lo más posible y trabajaran con personas de la comunidad para crear un sentido auténtico del lugar y la gente. Sus viajes de investigación a Hawái fueron reveladores y cambiaron el curso de la película visual, musical y narrativamente.

Ric Shutter (director de arte): Cuando bajé del avión en Hawái, no podía creer lo puros y claros que eran los colores. Al estar en una isla, no hay smog. Los verdes eran más verdes, los fucsias eran más fucsias, los cielos eran más azules. Siendo director de arte y trabajando en ciudades y cosas así, nunca había visto un color así.

Lijadoras: Nuestros artistas viajaban por todas partes en Hawai con sus caballetes y sus pinturas, porque una fotografía nunca funcionará. Tienes que ir al sitio y pintar las cosas reales para volver con los colores reales. Recolectaron cosas que se convirtieron en la vibra de la película y realizaron observaciones arquitectónicas muy cuidadosas. Cómo se ven las curvas, cómo se ven los marcos de las ventanas.

Obturador: La arena es muy rica en hierro. Caminas por la playa y de repente parece que un gigante dejó caer una bolsa de papas, pero son rocas de lava y están apiladas por todas partes. Un día estábamos sentados en la playa por la noche cenando junto al mar. El sol se estaba poniendo y las olas estaban llegando. El agua era turquesa, pero la espuma del mar era rosa. "¿Cómo puede afectar tanto la espuma blanca el color del cielo, pero no el agua?" Verás en la escena del surf, lo hicimos. La mayoría de la gente simplemente habría hecho el agua con espuma blanca o espuma azul grisácea. Lo hicimos rosa porque eso es lo que vimos.

Andreas Deja (animador supervisor de Lilo): Dijeron: "Oye, Andreas, parece que terminarás animando a Lilo. Probablemente tenga más sentido que vayas a una escuela local y observes a los niños y veas cómo se comportan". Así que hicimos eso. Teníamos un guía turístico y nos llevó en el autobús a una escuela. Él dijo: "Las escuelas son un poco protectoras aquí. No les gusta que los continentales entren y husmeen. No puedo garantizar que te dejen entrar". Recuerdo que llamamos a la puerta y salió un profesor. Tenía algunas preguntas y le dije a ella y a los pocos niños detrás de ella que sí, éramos de Disney y que haríamos una película basada en la isla. Esta niña que acaba de escuchar a Disney, dijo: "¿Trabajaste en La Sirenita?" Le dije: "Sí, dibujé a su padre", y ella dijo: "¡Yay!" Entonces realmente se encariñaron con nosotros.

Me llevé un cuaderno de bocetos y dibujé un poco. Qué inquietas están en la escuela, las niñas de esa edad. Obtuve un poco de eso en algunas de las escenas, cuando Lilo está hablando con el profesor de hula sobre lo que pasó con el pez Pudge.

Lijadoras: Dean y yo estábamos tomando un descanso en este pequeño café y estábamos sentados en el patio. Esta chica vino y se sentó. Estaba realmente enfadada. Recuerdo que tenía un ukelele. Creo que acababa de renunciar a su trabajo y estaba preocupada por eso. Dean y yo tuvimos una breve conversación con ella. Ella realmente tenía la edad correcta y la actitud correcta. Ella tenía una especie de borde agresivo a ella. Ambos nos dimos cuenta de que Nani es ese personaje. Debido a que tiene las responsabilidades de un padre, tratamos a Nani un poco más adulta de lo que debería haber sido. Así que tomamos una lección de eso y tratamos de agregar esa energía a Nani.

DeBlois:Hubo mucha observación cuidadosa de las personas que conocimos, y tratamos de canalizar esa sensación de vida normal en Hawái en la película para que no pareciera solo gente con faldas hula de pie en una playa, como Blue Hawái o algo así.

Lijadoras: Dean y yo no tenemos por qué contar una historia hawaiana. Puedes contar historias como esa, pero luego encuentras personas que tienen un negocio allí. Entonces contactamos a tantas personas como pudimos que vivían allí.

Debido a que las pistas de audio a menudo se graban antes de que se animen las escenas, el reparto de voces suele tener un gran impacto en la forma final de una película animada. Mientras seleccionaban y grababan a los actores de Lilo & Stitch, Sanders y DeBlois fueron testigos de cómo la película se transformaba ante sus ojos.

Lijadoras: Leímos a muchas, muchas personas para cada papel, y Tia Carrere fue una de las primeras personas que entró. Pero como literalmente fue una de las primeras voces, fue muy difícil decir que sí. Simplemente no esperas que la primera voz que escuches sea la correcta. Así que seguimos leyendo y leyendo y leyendo.

En un momento, Calista Flockhart entró a una audición para el papel de Nani. Miró las páginas y preguntó: "¿Cuántos años tiene esta niña?" Dijimos: "Bueno, tiene 19, 20". Ella dijo: "Porque no parece que tenga 19 años. Está actuando como una madre". En su audición, lo empujó más joven. Un poco menos responsable. Más emocional. Pero cuanta más gente leemos, más volvemos siempre a Tia Carrere. Hizo un trabajo brillante actuando en todas las partes. La calidad de su voz encaja muy bien con este personaje.

Tía Carrere (voz de Nani): Cuando me reuní por primera vez con Chris y Dean, me dijeron: "Bueno, eres de Hawái. ¿Qué piensas de la historia?". Le dije: "Bueno, ¿cómo te sientes acerca de Pidgin?" Es una cadencia de habla tan particular. Todas las diferentes etnias (filipina, china, japonesa, portuguesa, hawaiana) trabajaban juntas en las plantaciones y no podían hablar los idiomas de las demás, por lo que crearon el inglés pidgin, que se compone de palabras y frases entrecortadas de todos los idiomas. los diferentes idiomas. Chris y Dean dijeron: "¿Cómo quieres infundirlo en el personaje?" Dije: "Bueno, no me gustaría que fuera demasiado fuerte donde el espectador no pueda entender. Solo un poco de Pidgin, para infundir autenticidad a ese personaje". Estaba tan feliz de que estuvieran abiertos a eso.

Lijadoras: Conocimos a Tia en un restaurante en Pasadena llamado Twin Palms. Dean y yo llegamos primero, y el tipo nos sentó y dijo: "Está bien, ¿están listos para ordenar?" Dijimos: "No, alguien más se unirá a nosotros", y eso lo molestó por completo. Se fue y seguimos esperando y esperando. Entonces alguien dijo: "Oh, ella está aquí". Dean y yo salimos a su encuentro, y era esta limusina. El conductor se bajó y dijo: "¿Estás aquí por la Sra. Carrere?" Dean y yo dijimos: "¡Sí!" Él dijo: "¿Estás listo?" Estábamos como, "¿Sí?" Él abrió la puerta. Estaba vestida con este increíble conjunto de cuero negro pintado con aerosol. Ni siquiera puedo describirlo. Todo el lugar se detuvo. El tipo que nos trató tan mal regresa y dice: "Oh, oh, hola". Yo estaba como, "Sí, nuestro tercero... nuestro tercero ha llegado".

Fue una cena increíble porque ella fue muy amable y con los pies en la tierra, y fue entonces cuando la canción "Aloha Oe" entró en la película. Tia había leído el guión. Uno de nuestros momentos difíciles fue cuando Nani le dice a Lilo que se van a separar. Tuvimos dificultad tratando de llegar a las palabras. Fue una de las sugerencias de Tia Carrere que le cantara a Lilo esa canción. Fue un momento hermoso, honesto, muy sincero.

Carrera profesional: Creo que Chris me preguntó: "¿Cómo dirías adiós en hawaiano?". Dije: "Bueno, está esta, la canción hawaiana más famosa, una canción de amor y despedida escrita por la reina Liliʻuokalani en el palacio, y es 'Aloha Oe'". Dijeron: "¿Puedes cantar para nosotros?". Y dicen: "Oh, Dios mío, eso es perfecto".

Lijadoras:Cuando estábamos en la sesión de grabación, incluso llamó a su abuela por teléfono para asegurarse de que estaba escuchando todas las palabras correctamente.

Carrera profesional: Más tarde, cuando hice las relaciones públicas de Lilo & Stitch, hicimos un especial de televisión en Hawái. (Kelly Slater estaba dando algunas charlas sobre las escenas de surf). El director dijo: "Oye, ¿puedes cantar 'Aloha Oe'?" Le dije: "¿Puede mi abuela cantar armonía conmigo?" Nos sentamos bajo un árbol baniano en Hawai y ella cantó la armonía. Mucho después, en su lecho de muerte en el hospital, fue una de las últimas cosas que hicimos. Canté "Aloha Oe" con ella, y ella armonizaba conmigo. Mi primo tocaba el ukelele. Eso es tan profundo para mí. Esa canción.

Lijadoras: Creo que los personajes tienden a evitar las cosas. Porque lo hago en mi propia vida. Entonces, cuando Nani canta "Aloha Oe", se está despidiendo de su hermana, pero en realidad no lo está enfrentando. Eso funcionó muy bien para la película. Si no hubiera sido por Tia, que tenía la voz adecuada, que era hawaiana, que era perfecta para el papel y que ayudó a incluir eso en toda la historia. Un gran actor, adecuado para el papel, cambiará el rumbo de la película.

Carrera profesional: Me preguntaron otras cosas como: "Si alguien casi te golpea con el auto, ¿qué dirías?" Estoy como, "Oh, cabeza estúpida". Es como una cosa de Hawai. Y cuando le digo a Lilo: "Ay, Lilo, tú lolo". Estos son giros de frases que usábamos en Hawái cuando yo era niño.

Jason Scott Lee (voz de David Kawena): Tia me trajo a la imagen. Ella fue elegida primero, por lo que sugirió que me dejara ser parte de eso.

Lijadoras: Una vez que conocimos a Jason, comenzamos a escuchar todo el diálogo en su voz, y eso informó y cambió todo. Jason podría hacer en pocas palabras lo que probablemente estábamos sobreescribiendo.

Sotavento: Muchas veces, los directores decían: "Oh, trata de hacerlo como lo harías como un niño hawaiano local". Así que haría eso. Dirían, "Oh, eso es genial. Mantendremos esto. Mantendremos eso". Les gustó la cadencia, es un tipo de ritmo sonoro muy específico. Lo tomaríamos en menos del inglés Hawaii Pidgin, y luego lo introduciríamos un poco más, un poco más, y luego tal vez lo haríamos realmente duro, y luego retrocederíamos. Fue eso de ida y vuelta. Creo que hay una línea que se destaca que era algo muy local. Cuando hablan de Stitch, David dice: "¿Estás seguro de que es un perro?". Ese es un tipo de cosas muy pidgin inglés. No creo que supieran que se iba a leer de esa manera, pero eso es lo que mantuvieron.

DeBlois: El papel más difícil de elegir fue Lilo. Audicionamos a tantas chicas.

Lijadoras: Habíamos ido por todos lados. Tuvimos búsquedas en Hawai. Queríamos una voz hawaiana. No pudimos encontrar uno. Los niños son difíciles porque, en cierto sentido, quieres un niño que no sea actor. Hay muchos actores, y cuando los leíamos, inmediatamente exageraban las cosas de una manera que sonaba falsa. Fue empalagoso.

DeBlois: No fue hasta que Daveigh Chase entró con esta calidad embrujada y este comportamiento realmente seco. Pero luego explotaba frente a la cámara cuando hacía las líneas. Podía alternar entre un poco embrujada y sombría y exageradamente emocionada por las cosas.

Lijadoras:Tomamos la voz que grabamos de esa audición, la pusimos sobre el personaje y dijimos: "Ella es la indicada".

Deja: Daveigh Chase era Lilo. Si era como Lilo en la vida real o no, no lo sé. Pero ella tenía este tipo de cualidad práctica. Ella estaba viviendo en su propio mundo que tenía mucho sentido para ella, y ¿por qué los adultos no entienden esto, por qué gritar en voz alta? Lilo retuvo muchos sentimientos y se comunicaba a través de movimientos y expresiones faciales muy sutiles. Entonces, aunque parecía un diseño amplio, como si pudiera ser un miembro de la familia Charles Schultz Peanuts con esa cabeza redonda y la boca grande, al final, era un personaje que tenía muchos problemas y comunicaba cosas en su Propia manera.

Carrera profesional: Es gracioso que nunca conocí a Lilo hasta el estreno en Los Ángeles. Ella dijo: "Hola, soy Daveigh, estoy interpretando a Lilo". Estoy como, Dios mío. Tenía una vocecita adorable. Probablemente hoy habrían elegido a una niña hawaiana, pero no había ese grupo de talentos del que pudieran sacar, porque no había tanta gente en el negocio y ciertamente no niños pequeños. Tenía esa cosa atrevida de niña pequeña. Lo gracioso es que pasó de Lilo & Stitch a ser la chica aterradora que sale del pozo en The Ring. Eso fue extraño. Estaba aterrado.

Lijadoras: Habíamos tomado la decisión de no elegir a Stitch. Nunca tuvo la intención de hablar. Iba a ser el equivalente de Dumbo. Hacía ruidos, pero nunca verbalizaba nada. Eso quedó en el camino casi de inmediato, y nos dimos cuenta de que tendría que decir algunas palabras aquí y allá.

DeBlois: Para la voz de Stitch, seguían diciendo: "Bueno, no, vamos a encontrar un actor real que podamos usar en la promoción". Pero, al crear las pistas de borrador que acompañaban a nuestros rollos de historias, Chris solía hacer esta voz todo el tiempo. Me dejaba mensajes de voz realmente molestos con esa voz. Le dije: "Solo haz esa voz. Está bien. Eventualmente, tendremos que acercarnos a alguien como Danny DeVito y pedirle que haga muchos gruñidos de animales y ruidos traviesos".

Lijadoras: Pensamos, Dios mío, no podemos entrar en una cosa en la que tenemos un actor real y dijimos: "No, ¿podrías hacer un montón de ruidos tontos?" Solo sabes que de repente Stitch estaría dando todos estos discursos.

DeBlois: Pero simplemente nunca sucedió. Finalmente, las imágenes casaron tan bien con la voz que Chris se convirtió en la voz oficial de Stitch.

Lijadoras:Sin embargo, diré que cada vez que obtuvimos tarjetas de audiencia, esa fue la cosa con la calificación más baja en la película: la voz de Stitch.

McDonald: Me mudé a Los Ángeles dos o tres años antes, y todos decían: "Tienes una voz de caricatura; deberías estar en caricaturas". Aparecí en una caricatura y me hizo pensar que las caricaturas eran horribles. Se trataba de un perro o algo así. El tipo que creó la caricatura fue amable conmigo, la gente es amable con Kids in the Hall porque somos como una secta, pero fue malo con todos los demás. El chico principal, que era como un tipo grande, probablemente jugaba al fútbol en la escuela secundaria, lo vi llorando en el pasillo una vez. Así que pensé: "Oh, bueno, probé con los dibujos animados. Es horrible".

Luego tuve otra experiencia horrible. ¿Recuerdas el programa CatDog de Tom Kenny? Iba a ser... ¿Qué era él? ¿Perro? Iba a ser Gato. Pero el tipo que lo creó quería que lo hiciera en un personaje que hice con Kids in the Hall. El chico del "lo haré". "Lo haré, se me olvidó". Ese tipo. Muy discreto. ¡Pero Nickelodeon quería que lo hiciera con mucha energía! Tal vez Marlon Brando sería capaz de hacer un perfil bajo con mucha energía. Yo no soy Marlon Brando. Fue una de las dos veces en mi vida cuando descubrí que me habían despedido que era feliz. Así que pensé que las caricaturas estaban hechas. Luego me pidieron que hiciera una audición para Lilo & Stitch.

Lijadoras: Chris Williams estaba abordando en la película, y Dean y Chris Williams dijeron: "Oh, Kids in the Hall, Kevin McDonald, ese es Pleakley". yo no estaba familiarizado Dijeron: "Haremos que entre". Entró, y de repente ahí estaba el personaje.

McDonald: Dean era canadiense. Hay tantos canadienses en la animación. De todos modos, quería que hiciera otro personaje que hice en el sketch de Kids in the Hall donde interpreto a un tipo pasivo-agresivo: "No, no, no estoy diciendo eso. ¿Crees que dije eso?" La audición salió bien. Luego me volvieron a llamar y yo hice lo mismo. Luego me volvieron a llamar. Creo que tuve cinco devoluciones de llamadas. No supe hasta unos años después del estreno de la caricatura que realmente lucharon por mí. Disney no sabía quién era yo. Tuve que seguir haciendo devoluciones de llamada no tanto para demostrárselo, sino para desgastarlos. Ese fue realmente el comienzo para mí. Ahora he hecho 10 millones de dibujos animados.

Lijadoras: Escribes lo suficiente para encuadrar a un personaje, pero el marco está vacío. Y luego alguien como Kevin McDonald aparece de repente en el cuadro, y ahora todo va a cambiar.

McDonald: Sé que mis instintos son siempre ir solo por la comedia. Definitivamente era un personaje cómico, pero probablemente lo empujé más de esa manera. Porque es imposible hacer otra cosa conmigo. No es que sea tan bueno en la comedia, pero todo lo que soy es comedia.

Creo que iban por algo de Laurel y Hardy con Pleakley y Jumba. Definitivamente éramos los chiflados de la comedia. Por supuesto, David Ogden Stiers tiene cosas más dramáticas que hacer. Nos hicimos amigos, realmente lo amaba y aprendí muy temprano a no mencionar a M*A*S*H. Lo más divertido que me dijo fue: "Estuve en cinco Woodys, ¿sabes?". Fue la amistad más extraña de todas.

¡En realidad no lo conocí hasta el estreno! Nos trajeron a Florida por una semana y fue entonces cuando lo conocí y me hice amigo de él y me mantuve en contacto con él. Y luego hicimos el programa de televisión juntos. Fueron amables con nosotros; siempre hacían que uno de nosotros terminara cuando el otro comenzaba, así que siempre nos saludábamos.

Lijadoras: El trabajador social, Cobra Bubbles, comenzó como era de esperar: este hombrecillo flaco y novato, muy fiel al libro. Podría haber sido bibliotecario o trabajado en el DMV. De hecho, en un momento nos acercamos a Jeff Goldblum para la voz. Fue genial conocerlo, y él era todo un personaje, pero finalmente lo rechazó. Ese fue un momento en el que nos fuimos y dijimos: "¿Es este realmente el personaje que queremos? ¿Es lo suficientemente interesante?" Así que tuvimos la idea de ir en la dirección opuesta.

DeBlois: Pensamos, No, tiene que ser intimidante. Él realmente tiene que poner el temor de Dios en ellos. Y en ese momento, Ving Rhames y el personaje que interpretó en Pulp Fiction eran un listón muy alto de intimidación. Simplemente tuvimos la audacia de acercarnos a él.

Lijadoras: La primera vez que conocimos a Ving Rhames, lo grabamos en Las Vegas y creo que estaba haciendo una película de boxeo. Los dos estábamos muy nerviosos por conocerlo. La puerta del estudio se abrió, él entró y dijimos: "Oh, hola, Sr. Rhames", y nos estrechó la mano y simplemente pasó, fue directamente a la cabina, se puso los auriculares y miró hacia arriba. Tanto Dean como yo dijimos, "Oh, está bien", y corrimos para ponernos en posición. Luego, en un momento, se detuvo y dijo: "¿Quién escribió esto?" Dean y yo pensamos: "Oh, bueno, lo hizo". De hecho, nos señalamos el uno al otro. Hubo una pausa y él dice: "Porque es bueno. Me gusta". Era sensato, trabajaba como un loco y era muy bueno.

DeBlois: Él hacía la línea y luego te miraba con una mirada impaciente, y nosotros simplemente nos apresurábamos a darle instrucciones. Dirigiría la línea hacia ti. Así que estaría hablando al micrófono, pero estaría empujando hacia abajo con ese ceño fruncido y esa voz profunda, ese físico enorme, mirándote fijamente.

Como en casi todas las películas de Disney, la música jugaría un papel muy importante en Lilo & Stitch. Con esta película, sin embargo, hubo desafíos adicionales asociados con la creación de una banda sonora que pudiera alternar orgánicamente entre canciones de Elvis, música tradicional hawiana y una partitura orquestal. Además, el hula era un elemento clave en la película, y los cineastas sabían que era parte de un mundo mucho más complejo que el que había aparecido en el cine y la televisión en el pasado.

Lijadoras: No te metas con el hula. Sabes, algunas personas tratan el hula como una especie de tontería. Isla de Gilligan. Se vestirán con faldas de hula y harán una especie de burla del hula, así es como lo ha tratado Hollywood. Lo que aprendimos muy rápidamente de todas las personas con las que consultábamos es que no se hace eso.

Carrera profesional: Bueno, es un recurso para contar historias, y hay ciertas escuelas de hula de diferentes kumus, los maestros que lo transmitieron. Es una forma de arte muy especial y muy particular.

DeBlois: Para Chris y para mí, la música es la mitad de la ecuación. Hace todo el trabajo pesado emocionalmente. Así que dijimos: "Cualquiera que sea el presupuesto que nos den, sabemos que será menos que la característica típica de Disney, pero asegúrese de que consigamos un compositor de primer nivel". El primero de nuestra lista fue Alan Silvestri. Alan tiene tanta curiosidad que comenzó a buscar todo lo que pudo encontrar sobre la música tradicional hawaiana.

Alan Silvestri (compositor): Queríamos traer esta influencia hawaiana más tradicional a algunas de las canciones, y descubrimos que hay un aspecto muy profundo y sagrado en la verdadera música hawaiana tradicional. Es una tradición muy cuidada de Hawaii.

Lijadoras: Fui a Virgin Megastore en busca de música, y podías encontrar, como, dos CD de música hawaiana. La sección de música africana era enorme, toneladas de CD, pero como dos en la parte hawaiana. Descubrimos que eso se debe a que los parámetros son muy claros en cuanto a lo que puedes y no puedes hacer con esta música. Queríamos orquestar esta música. Queríamos tomar estos temas hawaianos y hacerlos a escala de película. Y eso es un poco no-no.

DeBlois: Luego, Alan se topó con un tipo llamado Mark Keali'i Ho'omalu, que era un kumu hula, un maestro de hula que vivía en el Área de la Bahía. Era solo un centro comercial en una especie de estudio de kárate al lado de una tienda de donas que él había convertido en un estudio de hula.

Silvestri: Tenía una tienda en alguna zona comercial, como muchas iglesias ahora. Allí es donde sus estudiantes se congregaban, se reunían y hacían su trabajo juntos. Nos sentamos allí, y Mark era una verdadera fuerza. Era un hombre muy poderoso.

DeBlois: Se consideraba que Mark era un poco rebelde porque tomaba estos viejos cantos, y sus versiones de ellos tenían mucha melodía y armonía y rupturas en la tradición que, creo, eran consideradas un sacrilegio por algunos puristas. Pero para otros, estaba trayendo la música hawaiana antigua a una nueva generación. Alan lo grabó cantando estos antiguos cantos hawaianos venerados, pero le puso música de tal manera que le dio esta amplitud y alcance sorprendentes y una calidad muy cinematográfica a la música.

Silvestri: Fue un noviazgo muy interesante porque Mark estaba muy reservado, como debería haber sido. Él no quería un montón de tontos comerciales caminando sobre el suelo sagrado con sus tonterías. Él era protector. Nos tomó un tiempo ganárnoslo.

Sotavento:La comunidad hawaiana es muy sensible a la entrada de personas ajenas y la protección de su cultura.

Spencer: Necesitábamos un coro de niños para cantar en la canción de apertura. Fuimos a grabar con la Escuela Kamehameha. Volamos a Hawái, estamos en Honolulu. No hemos oído cantar a los niños. Sabemos que han estado practicando.

Lynell Bright (profesora de música en las Escuelas Kamehameha): Aprendimos una canción, "He Mele No Lilo". Se suponía que íbamos a grabarlo en mayo, y luego se retrasó hasta octubre. Luego, después del 11 de septiembre, se retrasó hasta diciembre. Para entonces decidieron hacer una segunda canción, "Hawaiian Rollercoaster Ride".

Lijadoras: Subimos a la escuela, escuchamos a los niños cantar en su entorno, y Lynell Bright, la directora del coro, está tocando el piano. Te emocionaste tanto. Y no puedes imaginar que se pondría más emocional, pero lo hace. Vamos a grabarlos y no hay un gran estudio de grabación en Honolulu. Estamos en un espacio muy reducido donde solo caben los niños. Así que todos los padres están fuera del estudio. Dijimos: "Después de que terminemos de grabar, podemos traer a los padres en grupos de 15 o 20 para escuchar lo que se ha grabado". Así que entraron y... todos estaban llorando. Cada 15 o 20 personas que entraban, lloraban. Porque existía la sensación de que eran parte de la película y la voz de su hijo iba a estar en esto para la historia, para siempre. Eso fue realmente fenomenal de ver. Simplemente damos por hecho algunas de esas cosas.

Brillante: Creo que el sobrino de Mark Ho'omalu estaba en el coro. Y vino a un concierto en el Royal Hawaiian Hotel, donde cantamos. Así que creo que él planteó la idea. En ese entonces, solíamos cantar siempre un popurrí de Disney. Cualquiera que haya sido la última película de Disney, esa sería una de las canciones que tocaríamos. Ese año en particular, estoy bastante seguro de que el lanzamiento de Disney fue Dinosaurio. Pensamos, ¡Oh, no hay música en esta película! Entonces recibí una llamada telefónica. "Oye, Disney va a hacer una película. ¿Te gustaría ser parte de esto?" Estoy como, "¿Qué? ¡Es un sueño hecho realidad!"

John Sanford (supervisor artístico de la historia): Chris siempre fue un gran fan de Elvis. El hecho de que incorporó la música de Elvis a la película... era una de esas cosas de las que siempre hablaba.

DeBlois: De hecho, no pensamos que (a) alguna vez podríamos licenciar la música o (b) podríamos representar a Elvis en la película. Supusimos que en algún momento alguien nos haría a un lado y nos diría: "No puedes hacer eso". Pero los representantes de la herencia de Elvis vinieron a ver nuestros carretes de la historia y apoyaron el proyecto. Tan extrañamente nos encontramos teniendo un estreno en Graceland. Hicimos un recorrido especial por la bóveda en Graceland donde echamos un vistazo a estos locos monos de pedrería. Pero señalé una caja y dije: "¿Qué es eso?" Porque decía "Artículos de tocador". Y el guía dijo: "Oh, estos eran los artículos de tocador que estaban en el baño donde se encontró a Elvis". Y había una botella de colonia Hai Karate.

Schumacher: ¿Tenías la edad suficiente para saber qué era Hai Karate? Hai Karate era una loción para después del afeitado que todos los profesores de gimnasia usaban después de dejar Old Spice. Dije: "¿Puedo olerlo?" Ella dice: "Puedes olerlo, no rociarlo". Así que lo tomo, está medio lleno, y todos lo olemos. Olía igual que nuestros profesores de educación física. Era Hai Karate. Lo venderían, Hai Karate, con un tipo blanco en un gi. Ay dios mío. De todos modos, la gente de mi edad fue criada con muchas influencias que no son realmente buenas.

Al principio del desarrollo de Lilo & Stitch, el director de arte Ric Sluiter sugirió a Sanders y DeBlois que consideraran usar acuarelas para los fondos de la película. Sluiter había dirigido anteriormente un cortometraje de Roger Rabbit, Trail Mix-Up, y había usado pintura acrílica para emular un estilo de acuarela en esa película. Sin embargo, las acuarelas reales no se habían utilizado en una función de Disney en casi 60 años, y gran parte del arte y el conocimiento en torno a la forma se habían perdido en las décadas intermedias.

Lijadoras: Ric Sluiter echó un vistazo a las cosas que estábamos dibujando y dijo: "El complemento perfecto para tu estilo de personaje redondeado serían los fondos de acuarela que los estudios de Disney hacían de forma rutinaria en la década de 1930". Dean y yo dijimos: "¡Sí, hagámoslo!". ¡Lo que descubrí más tarde es que Ric Sluiter se arrepintió mucho de haber dicho eso! Ric volvió a su habitación de hotel esa noche y produjo un par de pinturas. Uno de ellos era acuarela y otro estaba hecho con gouache opaco: El Rey León, Aladino, La Bella y la Bestia, todos estos son gouaches. Ric regresó y dijo: "Esta es la cuestión: la acuarela va a ser realmente difícil. Nadie ha hecho esto desde la década de 1940. Nadie sabe qué tipo de pigmentos o tipos de papeles; todas esas cosas se han ido. Tendrían que redescubrirse. Además, tienes que ser como un ninja de la pintura para manejar la acuarela".

DeBlois: Es un medio muy implacable porque realmente no puedes cubrir tus errores. Está utilizando el blanco del papel como fuente de luz en su imagen y está aplicando lentamente estos lavados transparentes de color para darle vida a la imagen. Si comete un error en una pintura de acuarela, se arruina. Tienes que volver al principio.

Lijadoras: Cuando Ric nos mostró las dos pinturas y dijo: "Esta es una acuarela y esta es un gouache hecho para parecer una acuarela", y Ric trabajó muy duro; ese gouache era lo más cercano a la acuarela que podía hacer, tanto Dean como yo lo miramos y dijimos: "No, queremos la acuarela".

DeBlois: Todo ese equipo de artistas en Florida en el departamento de fondo eran pintores tan ávidos. Regresaron e investigaron y experimentaron con pigmentos, tipos de acuarela, papel. Creo que estaban muy entusiasmados con el desafío.

Obturador: Llevamos siete meses y teníamos talleres de acuarela y salíamos a pintar casi todos los días al aire libre. Había tal vez ocho, nueve artistas de fondo, y solo había uno que sabía acuarela: Peter Moehrle. Tengo que darle mucho crédito allí. Me enseñó mucho.

Lijadoras: En una de mis visitas a California desde Florida, me encontré con un miembro senior del departamento de antecedentes y me dijo: "Escuché que van a hacer acuarelas. Cuando se metan en problemas, porque no van a estar capaz de lograrlo, no estoy tan seguro de que California pueda acudir a su rescate". Eso realmente me enfureció.

Ron Betta (director de producción asistente):Vi la frustración en el equipo de acuarela que estaba tratando de descubrir cómo estirar el papel y cómo colocar la acuarela sobre este papel sin que se arrugue, porque cuando el agua entra en contacto con el papel, hará que se doble. .

Deja:Ese grupo de artistas de fondo voló de regreso a California, y luego se encontraron con uno de los tipos que pintaban los fondos de Blancanieves, que todavía estaba vivo.

Obturador: Maurice Noble era uno de mis héroes y tenía 80 años. Solía ​​trabajar para Disney en los años 40 y 50. Apenas podía ver. Me habló de una gran técnica: había estas rocas en Peter Pan, en Mermaid Cove, con una hermosa textura de roca. Le pregunté: "¿Cómo obtuviste esta textura?" Él dijo: "El secreto es la sal marina, sal marina de grano muy grueso". Ahora, había tratado de obtener esa textura tantas veces, y conocía la técnica de la sal, pero nunca supe que usabas sal marina. Así que todas las rocas de lava en Lilo & Stitch, todo era sal marina. Vino directamente de Maurice Noble.

Lijadoras:Al final, los artistas de Florida se volvieron tan fáciles con esta cosa de la acuarela que estaban produciendo fondos más rápido de lo que nunca habían producido fondos de gouache.

DeBlois: Realmente, para Chris y para mí, nuestro trabajo al entrar al departamento de fondo era solo comentar si estaba abordando o no la preocupación de la historia de la escena. Mientras representara lo que estábamos tratando de transmitir emocionalmente y en términos de continuidad, estábamos felices de dejarlos ir y dejarlos ser artistas.

Obturador: Recuerdo a Chris Sanders, cuando vio aparecer los primeros fondos de acuarela, estaba muy emocionado. Estaba sentado allí mirando esta pintura del follaje y dijo: "Es como una terapia".

DeBlois: Puedes ver todos los signos reveladores de la mano de un artista moviéndose a través de los planos de la imagen. Complementó toda la declaración de la misión de hacer la película: Abracemos nuestro presupuesto de película B y dejemos que sea el estilo que pretende ser.

Lilo & Stitch se basó principalmente en la sensibilidad estética de un artista. Eso lo hizo único entre las producciones de Disney; significaba que los personajes no se veían como las típicas princesas de cintura delgada. Y a pesar de que el personal del estudio de Florida era relativamente pequeño, DeBlois y Sanders estaban decididos a no microgestionar a sus animadores.

Deja: Por lo general, llegas a una película y te asignan un personaje y eres responsable del diseño primero. Luego haces una animación de prueba y trabajas con otros animadores para asegurarte de que estos personajes pertenezcan al mismo mundo, y una persona u otra tiene que hacer ajustes. Esto fue diferente. Todo era sentido estético de Chris.

Lijadoras: Estaba pensando, bueno, no sé por qué dibujo como dibujo; Ni siquiera me veo teniendo un estilo. Entonces recurrimos a una artista en el estudio llamada Sue Nichols, ella tomó mis dibujos y se fue por unas semanas e hizo un análisis de cómo dibujo. Regresó con un libro de varias páginas llamado Surfing the Sanders Style que explicaba por qué dibujo como dibujo. ¡Nadie estaba más interesado en leer esto que yo! Este libro se convirtió en un manual básico para cualquiera que se acercara a la película.

Abrigos: Recuerdo a Chris Sanders, cuando estaba dibujando a Nani, le pidió a nuestro supervisor de producción que posara para él. "¿Puedes posar porque quiero dibujar tus piernas en Nani?" Chris simplemente fue allí, en lugar de tener que tener conversaciones sobre, Oye, ¿puedes hacer que una mujer se vea como una mujer real? Todos lucharon con eso. Las mujeres tenían que tener este tipo de cuerpo poco realista.

Sanford: Esto va a parecer como si yo golpeara a California, pero tengo que decir la verdad. Si hubieras traído a Lilo & Stitch a ese equipo y le hubieras dado Stitch a uno de los animadores supervisores, dirían: "Bueno, tengo que rediseñar Stitch porque tengo que poner mi sello en él". Lo mismo le habría pasado a Nani, y la película se parecería a cualquier otra película de Disney. Pero con el estudio de Florida, dijeron: "Oh, podemos hacer una película que parece dibujos navideños".

Betta: Teníamos cosas que probar. Siempre nos compararon con el otro estudio. Éramos vistos como el hermano menor no tan genial. Los palurdos de Florida contra el tipo de grupo de estrellas de cine de élite de Hollywood.

DeBlois: Cuando llegamos a Florida, conocíamos a estas personas porque habíamos trabajado con ellos en Mulan. Esa fue una película difícil de terminar. Hubo muchos divorcios y dolencias que surgieron de ese proceso. Me recuerdo trabajando todos los días hasta bien pasadas las 11 de la noche, escuchando a la gente que viajaba en la Torre del Terror ya los pobres custodios empujando aspiradoras en estos edificios de remolques. Así que tomamos una decisión. Nos sentamos con todo el equipo cuando llegamos allí. Dijimos: "Está bien, este es el trato. Tenemos mucho menos dinero. Tenemos menos tiempo. Pero queremos descubrir cómo podemos hacer esta película para que todos se vayan a casa por la noche a cenar con sus seres queridos. Todos tiene un fin de semana. Descubriremos cómo hacer esto y seremos felices haciéndolo". Ese se convirtió en el espíritu de hacer la película. Había todo tipo de barbacoas y paseos en kayak en Florida Springs y pequeños viajes por carretera a los Cayos oa la costa. Ric Sluiter nos sacaba los fines de semana y íbamos a pescar vieiras o camarones a altas horas de la noche. Arrojando luces al agua y atrapando camarones.

Obturador: Mulan fue cinco años de infierno. Lilo & Stitch fueron dos años de felicidad. Todo salió tan bien. Debido a que Chris y Dean estaban escribiendo la película y el guión gráfico, ellos mismos hicieron toda la película, una hazaña increíble. Básicamente, una vez que supieron que el estilo estaba ahí, simplemente me dejaron en paz. Hicieron todas las aprobaciones, todo, pero me lo dejaron a mí para que pudieran concentrarse en las historias.

Lijadoras: Dean y yo encontramos nuestra zona de comodidad al no decirles a los animadores qué hacer. Estos son nuestros actores y, por supuesto, si estás en animación, tienes a tus actores actores y tienes a tus animadores que también son actores. Y tomamos la decisión desde el principio de que si marcan todas las casillas que necesita un momento o escena, entonces hemos terminado. No vamos a entrar en una cosa en la que, "Lo vi más como esto". Ahora estás en una situación en la que un pobre animador dice: "¿Entonces quieres que haga qué?" De repente son como alguien que toma una orden en lugar de hacer lo que mejor sabe hacer.

Lilo & Stitch no tenía el tipo de equipo de historia grande que habría sido común en una producción de Disney. Muy a menudo, las alteraciones importantes de la historia pueden ocurrir relativamente rápido con la participación de solo una o dos personas. Eso dio como resultado un proceso de producción más fluido, excepto por un cambio enorme e impactante de último minuto que se produjo después de que la película casi había terminado.

Lijadoras: Cuando estábamos trabajando en Mulan, llegó un día en que hablábamos, como solíamos hacer, "¿Cómo vamos a matar al villano?". Es divertido pensar cuántas veces en los pasillos de Disney te sentarías a hablar de "¿Cómo vamos a matar al villano?" "Oh, ¿y si explota en un puesto de fuegos artificiales?" Eso me llevó a pensar: ¿Qué pasaría si redimiéramos a un villano? ¿Qué pasa si hacemos de nuestro villano el héroe? Realmente, si le quitas todo a Lilo & Stitch, esa es la historia. Es una historia de redención donde el villano y el héroe son el mismo personaje.

Sanford: Lo que me impresionó sobre cómo Chris estaba desarrollando la historia es que se desarrolló de manera muy orgánica. Siempre lo describo como una espiral. Está contando la historia de este extraterrestre. Entonces este extraterrestre conoce a esta niña. Vale, bueno, esta niña necesita una familia, así que hay una hermana mayor. Estos personajes simplemente se desarrollan, y luego alguien los persigue. ¿De dónde vino este extraterrestre? Bueno, está esta Federación Galáctica. Entonces todos esos personajes comienzan a llenarse.

DeBlois: Hay un momento extraño y mágico en el que una vez que has trabajado en él durante el tiempo suficiente, la película comienza a decirte lo que quiere. Rechazará las cosas que se sientan innecesarias o forzadas. Pero también pedirá esos momentos que necesita. Simplemente quedó claro al verlo una y otra vez que los equilibrios tenían que cambiar constantemente hasta que encontráramos ese baile entre la sinceridad y la ridiculez.

Poole: Creo que Chris y Dean fueron un buen equilibrio el uno para el otro. Chris tenía estas ideas descabelladas sobre que esto podría suceder y esto podría suceder y esto podría suceder, y a veces se sentía como si Dean fuera quien ayudó a descubrir el tejido conectivo.

Lijadoras: Roy Disney provocó uno de los mayores cambios en la película. En una reunión, dijo: "Me gustaba Stitch cuando pensaba que era un bebé. Pero cuando me di cuenta de que era un adulto que estaba a cargo de toda esta pandilla de extraterrestres, no me gustó tanto". Pensé, está bien, esta es una nota demasiado grande; tenemos que lidiar con esto ahora mismo. Dije: "Está bien, si lo hiciéramos solo Stitch, tal vez lo muevan en un frasco y lo manipulen personas o extraterrestres con trajes de materiales peligrosos. Es casi como si fuera un virus". La habitación quedó realmente en silencio. Miré a Tom, y Tom me estaba mirando y no apartó la mirada. Dije: "El equivalente a un virus sería una mutación genética. Si Stitch fuera una mutación genética, entonces él puede ser el problema por sí mismo. Podemos eliminar todos estos otros personajes". Así que entramos a la reunión y había toda una pandilla de extraterrestres, salimos de la reunión y no había más extraterrestres. Todas estas personas no sabían, pero sus partes fueron cortadas.

A esas alturas ya habíamos registrado a Ricardo Montalbán como uno de los malos. Ups, lo siento. Era muy agradable y lo persuadí para que hiciera su voz de Wrath of Khan. Durante la sesión de grabación, no dejaba de decir: "Bueno, ¿podrías hacerlo tal vez un poco así o un poco más así?" No quería simplemente salir y decirlo. Siguió haciendo todas estas voces diferentes y estaba trabajando muy duro. Finalmente, básicamente dije: "¿Puedes hacer la voz que hiciste en Wrath of Khan?" Él estaba como, "Oh, ¿QUIERES DECIR ASÍ?" ¡Y lo hizo! Y luego, es por eso que nunca quise ser productor, el productor tuvo que hacer la llamada telefónica y decir: "Desafortunadamente, sacamos a tu personaje de la película".

Sanford: Al principio, Chris y yo manejamos hasta Laguna Beach. Tenía un Sharpie y un bloc de notas y teníamos alitas y cerveza, y hablamos sobre la historia. Realmente estaba convencido de que Stitch no tenía que volver al espacio. Quería que Stitch encontrara un hogar con su pequeña y su hermana. Él dijo: "No puedo entender cómo justificar que se queden. La gran concejala lo aceptará". Le dije: "Espera un minuto. Cuando Lilo adoptó a Stitch, tuvo que pagar dinero, ¿verdad?". Él dijo: "Sí". Dije: "Bueno, ella tiene un recibo. Si la gran concejala se lo lleva, eso es robar". Así que de ahí vino la escena del final, donde Lilo muestra el recibo.

Lijadoras: Tuvimos una proyección interna en California. A veces, cosas grandes, gigantes y obvias, las extrañas porque estás muy ocupado atendiendo otras cosas. Dije en voz alta: "Stitch va de malo a bueno, pero no tenemos ninguna razón para que cambie de malo a bueno". Entonces nos dimos cuenta, "Oh, Ohana tiene que ser lo que lo cambie". Así que empezamos a ponerlo en la película mucho más abiertamente.

DeBlois: Al final de la película, originalmente, Stitch cobró conciencia y se dio cuenta de que tenía que ir tras Lilo después de que el Capitán Gantu la había dormido y se la llevaban en su barco. Stitch seguía siendo peligrosamente irresponsable. Termina robando un 747 del aeropuerto y pilotándolo en una persecución con el Capitán Gantu por el centro de Honolulu. El tren de aterrizaje sale y salen disparados de los edificios, y los cristales se rompen y llueven sobre las calles. Estaba terminado y en color. Y luego sucedió el 11 de septiembre.

Schumacher: Yo era bicoastal en esos días. Mucha gente de Disney estaba en Nueva York porque el lunes, 10 de septiembre, era el servicio conmemorativo de nuestro entonces jefe de trabajo de teatro, un hombre realmente encantador. Todo el mundo iba a volar a casa el martes. Y entonces ocurre el 11 de septiembre. Veinte personas acaban en mi pequeño apartamento en Central Park South. Luego suena mi teléfono y es Chris diciendo: "Tom, ¿qué vamos a hacer?". Le dije: "Chris, bueno, es difícil, pero voy a tratar de que todos regresen a casa". Y él dijo: "No, no. ¿Qué vamos a hacer con la persecución final en la película?" Estoy como, "¡Mierda!" Esta escena pasó de ser divertida e indignante a horrible, trágica y traumática. Creo que al día siguiente me llamó y me dijo: "Esto es lo que voy a hacer. Voy a envolver el 747. Van a tomar el barco de Jumba". Simplemente cambiaron la piel de todo.

DeBlois: Mantuvimos la secuencia, pero luego los rascacielos del centro de Honolulu se convirtieron en cañones de montaña. Y el 747 robado se convirtió en el barco en el que Jumba había llegado originalmente. Mantuvimos el ritmo de la secuencia más o menos igual, pero tuvimos que cambiar muchas de las referencias obvias.

Lijadoras: El pobre tipo con el cono de helado iba a cruzar la calle en Honolulu. Ahora está en Kauai en la playa y le tiran la cosa.

Lilo & Stitch se había producido en silencio y por relativamente poco dinero en Florida. Pero eventualmente, el liderazgo de Disney, sin mencionar al público, necesitaría verlo. El mundo de la animación había cambiado drásticamente a lo largo de los años. La primera película de Pixar, Toy Story, había sido un gran éxito en 1995, y cuando se estrenó Lilo & Stitch en 2002, la animación generada por computadora se había vuelto dominante (con A Bug's Life, Toy Story 2 y Monsters, Inc. todos debutando en los años intermedios). Eso convirtió a Lilo & Stitch en una especie de retroceso. Y, sin embargo, también era completamente nuevo. A pesar de todas sus cualidades poco convencionales, Lilo & Stitch fue profético: probablemente tenga más en común en la historia con éxitos posteriores de Disney como Frozen, Moana y Encanto, que también destacan a una protagonista femenina sin una trama matrimonial. Y resultaría ser un éxito. Si bien su taquilla no se acercaría a los clásicos de Disney Renaissance como Aladdin o The Lion King (Lilo & Stitch ganó $ 273 millones en todo el mundo, mientras que The Lion King ganó $ 1.06 mil millones después de múltiples relanzamientos), hizo un buen negocio en comparación con los gigantes costosos. como The Emperor's New Groove ($169 millones) y Atlantis: The Lost Empire ($186 millones). También inspiraría tres secuelas directas a video, así como varias series de televisión y videojuegos.

Lijadoras: Michael Eisner no lo vio hasta que estuvo hecho. Michael Eisner lo vio cuando estaba en color, tenía música, estaba prácticamente terminado. Todo el mundo estaba nervioso, como, Dios mío, hicimos una película y nunca le dijimos a Michael Eisner. Así que salimos de la proyección y Michael Eisner estaba parado allí, y él es muy alto, y dijo: "Chris, Dean. Realmente me gustó esto. Me gusta. Realmente no puedo explicarlo. Nunca he visto nada parecido... pero me gusta. Es tan difícil de explicar... pero realmente me gusta".

Schumacher: Cuando salió la película, había mucha frustración de que no fuera generada por computadora. La gente de marketing preguntó: "Bueno, ¿cómo lanzamos esta película? No es CG". Incluso hubo una sugerencia de un jugador muy importante de que hiciéramos el comercial en CG. Dije: "Eso parece un poco deshonesto". La película funciona porque no es CG. Puedes mostrarme una hoja de Pocahontas, Hércules, Mulan, Lilo & Stitch —una hoja— y te diré de qué película proviene. Porque si fuera de Hércules, tiene un giro de Gerald Scarfe. Si es Pocahontas, tiene una costura hacia arriba, y hay un color aquí, un color allá. Lilo va a ser acuarela. Todos se ven diferentes. Hay una similitud en la que puedes entrar a menos que la gente realmente traspase los límites. Habiendo trabajado en ambos, esta película fue una gran celebración de la animación dibujada a mano.

Los publicistas me decían una y otra vez: "A nadie le importan las acuarelas". Dije: "Les vamos a enseñar lo que es". Fuimos al Festival de Cine de Cannes para promocionarlo. Clark, Dean, Chris, yo. Roy y Patty nos llevaron allí en Air Roy, un 737 privado de su propiedad. Creo que pusimos a 500 periodistas en una clase en la que aprendieron a pintar con acuarela. Todos recibieron un kit con exactamente los cuatro colores de pintura que necesitabas, sal de roca, y tuviste que flotar la pintura sobre el papel húmedo. Fue increíble.

Carrera profesional: Solo pensé: "Esto es tan hermoso". Las pinturas de estos lugares en Hawái se sienten como lugares específicos reales, no como una representación a grandes rasgos de una isla tropical anodina, ¿sabes? Las casas son como las casas en las que crecí. Nani se parece a una chica local, con la robustez de sus piernas y su cuerpo. No es como Cenicienta pintada de marrón. Me encanta que Chris y Dean fueran conscientes de lo que estaban poniendo frente al mundo. Estaba tan adelantado a su tiempo en muchos niveles. Los servicios sociales, el hermano mayor cuidando al hermano menor y el caos y el caos que se produce, que esta familia es una especie de extraño elenco de personajes que improvisas y que se apoyan mutuamente. Creo que es un tema completamente moderno. Pensar que hicimos eso hace 20 años es increíble. Además, tener la historia indígena, la historia de la gente local al frente y al centro en Hawái, mientras que normalmente Hawái sería el hermoso telón de fondo fetichizado para los personajes principales caucásicos. En tantos niveles, estaba muy orgulloso de poder representar a Hawái.

McDonald: Te diré la verdad. Fue mejor de lo que pensé que iba a ser. Hay dos dibujos animados por los que me preguntan todo el tiempo: Lilo & Stitch e Invader Zim. Invader Zim son las personas que eran jóvenes y crecieron para ser fanáticos de Kids in the Hall. Los fanáticos de Lilo & Stitch suelen ser de un mundo diferente. Por lo general, es una familia. Los padres tienen entre 40 y 50 años y tienen una hija de 26 años que es muy tímida porque yo soy Pleakley. He conocido a 100 familias así. Probablemente será lo que digan cuando muera. No será Kids in the Hall, será "actor de voz de Lilo & Stitch". Para mi gusto personal, siendo un Kid in the Hall con un sentido del humor oscuro, le doy… dos estrellas y media. [Risas.] Oh Dios, espero que Dean no lea esto. Pero no, definitivamente me gusta! ¡Es bueno, es bueno! Aún así, dos estrellas y media.

Brillante: En cualquier cultura, si hay una película que se hace sobre la cultura y con la cultura, van a ser muy cuidadosos y críticos. Creo que la gente en Hawái estaba emocionada de que Disney estuviera haciendo algo por Hawái. Pero en cualquier momento, habrá cosas positivas y negativas. Así que creo que hubo algunas reacciones mixtas.

Sotavento: Estaba placenteramente sorprendida. Al tomar una fantasía y aplicarla a un trabajador de cuello azul, y representar realmente la situación socioeconómica en la vida de muchas personas locales aquí. Todo el asunto de la hermana mayor criando a la hermana menor, eso es real. Quiero decir, esas historias aún se mantienen. No ves a menudo animaciones de Disney así.

Betta: Voy a Disney todo el tiempo. Las niñas pequeñas caminarán con disfraces de Lilo. Me acerco a los padres. Le digo: "Trabajé en esa película. Muchas gracias por permitir que su hija se vista como Lilo". Porque es tan hermoso para mí ver que 20 años después, los niños todavía lo usan.

Deja: Me encanta. Y ese no es siempre el caso. No siempre me gusta la versión final, porque la versión final es cuando estás sentado y dices: "Bueno, esto es lo que es". No puedes volver y decir: "¿Puedo tener la secuencia 13, la escena cuatro?" Simplemente me encantó. Al igual que toda la audiencia, me reí y lloré y me involucré mucho. Pensé, este es uno de los mejores. Insisto en que si Lilo & Stitch hubiera salido justo después de El Rey León, habría generado el doble de negocios. Lo sé, porque íbamos muy alto y luego hicimos algunas películas después de Lion King que tampoco conectaron con el público. Así que la animación tomó un poco de recesión. Lilo & Stitch lo trajo de nuevo.

Lijadoras: Estábamos en el lugar correcto en el momento correcto. Tom Schumacher estaba allí para proteger esta película. Muchas personas estaban en el lugar correcto en el momento correcto que nos ayudaron en Hawái. Me imagino cuántas veces esto podría haber salido mal. Casi me asusto ahora, solo de pensar en cuántos casi accidentes probablemente tuvo esta cosa. Era como lanzar un strike. Estás como, "Lo va a lograr, lo va a lograr", y lo golpeas, y es posible que nunca vuelva a suceder.

Schumacher: Las dos películas por las que más me preguntan son Emperor's New Groove y Lilo & Stitch. Esas dos películas, en su propio momento, la gente decía: "¿Qué están haciendo?" No creo que nada en lo que haya trabajado haya sido más doloroso que Emperor's New Groove. Sentí mucha culpa por esa película durante mucho tiempo porque la gente dentro de la compañía abusaba mucho de ella. Pero Lilo & Stitch vive en los corazones de muchas, muchas personas.

No pierdas de vista lo que realmente dice esta película. Que aquí están estas dos jóvenes, que están solas a través de la tragedia, y forman una familia, ¿verdad? Esta película tiene mucho que ver con la bondad y con abrazar al otro. No puedo ver la película sin llorar. Cuando Stitch sale y dice: "Estoy perdido". ¿Cómo puede alguien ver eso y no llorar? Y su amor incondicional por él. ¿El sacrificio, la paciencia, el tratar de entender el pensamiento del otro? ¿Cómo lo ve? Hacen eso y construyen esta familia, y Pleakley y Jumba vienen a su manera para ser parte de esta familia. Esta es su familia, está rota, pero es su familia. La idea de que los niños vean algo sobre una familia que está arruinada y rota, pero sabiendo que si se preocupan el uno por el otro, pueden construir un camino a seguir.

Brillante: Uno de los niños del coro lo dijo mejor recientemente. Él dijo: "Cuando éramos niños, pensamos que era una gran película de Disney. Aquí está este extraterrestre, y es simplemente una película divertida". Pero ahora que es un adulto y mira hacia atrás, dijo, ve ese mensaje sobre la familia. No importa el tamaño que tengas o lo diferente que sea, una familia es especial. Ahora es un adulto y lo ve de otra manera.

Lijadoras: Al final, estaba sentado en mi escritorio y Tom Schumacher llamó y dijo: "Chris, si tuvieras un minuto extra, ¿qué harías en esta película?". Dije: "Bueno, haría una posdata para la película. Mostraría su vida después de que termine la película". Él dijo: "Ustedes han estado tan dentro del presupuesto, les sobraron un par de millones de dólares. Hagan ese final". Agregamos esos dos minutos, y creo que cambió totalmente la película.

Schumacher: Creo que toda esa celebración al final de la película, cuando los ves a todos juntos, con las fotografías y esas cosas, y los ves esquiando y todo. Creo que simplemente dice: "Todos podemos formar nuestras propias familias". Para aquellos de nosotros que hemos tenido que hacer eso, creo que su legado es: Es hermoso. Creo que para la industria ver lo que estos artistas pueden hacer es extraordinario, y creo que sus temas reales son tan valiosos o más valiosos hoy que nunca.

Lijadoras: Uno de mis compañeros de trabajo me dio probablemente el mayor cumplido. Dijo: "Lilo & Stitch es lo más parecido a una película de Miyazaki que Disney Studios jamás hará". Porque realmente tiene ese tipo de firma peculiar e individual que no puede sobrevivir al proceso normal por el que pasan estas cosas. Pudimos hacerlo porque, en primer lugar, Tom Schumacher estaba dispuesto a correr el riesgo de dejarme dirigir esta película. Y luego se arriesgó a ocultarlo del estudio en general.

El éxito de Lilo & Stitch en 2002 fue uno de los triunfos del estudio de Florida. Pero resultó ser de corta duración. Disney ya estaba comenzando a alejarse de la animación dibujada a mano cuando Brother Bear, también producido en el estudio de Florida, abrió sus puertas en 2003. Roy Disney, considerado durante mucho tiempo un campeón del departamento de animación, se había ido ese noviembre en medio de una lucha de poder con Eisner. Después de una serie de proyectos cancelados, recortes salariales y despidos, la empresa finalmente cerró el estudio de Florida en enero de 2004, despidiendo a más de 250 animadores, técnicos y otros en el proceso. En una declaración en ese momento, David Stainton declaró: "Tener a todo el grupo de animación trabajando juntos en Burbank bajo un mismo techo mejorará aún más nuestro proceso de realización de películas", lo que seguramente sonó irónico para cualquiera que haya presenciado la exitosa producción de Lilo & Stitch lejos del escenario. ojos de Burbank.

Obturador: Estábamos completamente sorprendidos. Recuerdo el día que sucedió. Dijeron que David Stainton y Pam Coates volarían. Era viernes. Dije: "¿Lo son? Oh, eso no es bueno". Kevin, el asistente personal, buscaba el carrito de los helados porque, por lo general, cuando venían a una reunión tenían helado. Él dijo: "No. Solo vienen a tomar un helado con la tripulación". Le dije: "No, las malas noticias llegan un viernes. No sé qué es, pero son malas noticias". Estábamos trabajando en A Few Good Ghosts. Esta película pasó por tantos cambios: se llamó My Peoples, A Few Good Ghosts, Angel and Her No Good Sister. Dolly Parton la protagonizaba.

Abrigos: Me encantaba ese estudio. Cuando tomamos la decisión de cerrar el estudio, dije: "No, me subiré a un avión. Esta es mi gente". Yo era el ejecutivo que más tiempo había pasado en ese estudio. Volé allí inicialmente e hice Trail Mix-Up y luego Mulan. Amaba a esa gente. Los conocía por su nombre. Fue una locura porque conocías a sus familias. Habías estado en barbacoas con sus familias. No eran números en una hoja de papel que decía: "Oye, nos hemos expandido demasiado rápido". Así que sentí que tenía que pararme frente a esas personas.

Obturador: Ese fue probablemente el día más triste de mi vida. Seguro que en el trabajo. La gente se desmayó y cayó al suelo de rodillas llorando. Hombres adultos llorando. Estuvo mal. Ese hermoso sueño se acabó en un santiamén. Se ha ido. fue horrible La gente tiene culebrilla, la gente tiene insomnio. Todos se enfermaron después, físicamente enfermos. Tienes que lidiar con esta pérdida, y luego tienes que encontrar el próximo concierto. Sucede mucho en la industria del cine.

Schumacher: Estuve en Florida hace un par de años, justo antes de que estallara la pandemia. Estuve haciendo el casting de Aladino en México, la obra de teatro. Le dije: "¿Puedo ir a ver el viejo estudio de animación?" Simplemente me dieron ganas de vomitar, estaba tan desconsolado.

Obturador: A medida que pasaron los años y trabajé para otros estudios, me di cuenta de que no había un mejor ambiente de trabajo que el que teníamos allí. Todos éramos niños pequeños cuando empezamos. Todos crecimos juntos, como una familia. No había esta jerarquía de la capa superior, la capa intermedia y luego los muchachos en la parte inferior echando carbón al Titanic. Hubo esta colaboración que fue de arriba a abajo. Solo éramos este pequeño estudio tratando de aferrarnos a los hilos del delantal de lo que estaba pasando en California.

Lijadoras:En cuanto a la animación tradicional, Florida estaba donde estaba.

Obturador: Se fue. Se fue. ¿Volverá? No sé. Vi Klaus, de Sergio Pablos. Hermoso. Todas esas líneas de la Bella Durmiente. Pero no sé. Puede que se haya ido. Simplemente se necesita mucho tiempo para llegar a ese nivel de experiencia. La mayoría de los animadores pasan por lo mismo: primero obtienes el personaje y solo estás dibujando las escenas. Luego estás en la película durante un año, año y medio, dos años. Al final, es como si estuvieras viviendo el personaje. Todos quieren volver a las primeras escenas y arreglarlas y cambiarlas porque se han vuelto muy buenos en la comprensión del personaje y cómo se mueve y el trabajo de línea y la pose y los gestos. Llegas a tal nivel de habilidad cuando lo haces, película tras película tras película, que sigues mejorando. No es como si pudieras agarrar a un grupo de animadores 2-D que no han estado dibujando durante diez o cinco años y ponerlos en una película. Se necesita tiempo para llegar a ese nivel. A menos que puedan armar un estudio, no volverás a obtener ese nivel. Entonces, en lo que respecta a las cosas dibujadas a mano, sí. No sé, hombre. Podría haberse ido por características.

De hecho, ahora me cuesta mucho ver la animación porque veo las mismas expresiones, gestos, movimientos de manos, todo. Todo el mundo usa las mismas cosas una y otra vez. Es esta fórmula de animación. Ya no veo la singularidad. Miro películas de acción en vivo y tienes un actor, ¿verdad? Y el actor puede cambiar su personalidad. Puede cambiar su carácter. Puede reírse de cierta manera en una escena, puede poner acento en otra. Puede caminar con un estilo diferente. Un buen actor se cambiará a sí mismo. Pero en la animación, parece que simplemente toman una impresión de fórmula y la conectan. Es una cosa de plug-and-play. ¿Conoces ese dicho, "Muerte por destrucción masiva"? Solía ​​decir: "La vida por destrucción matemática". Tienes que matar las matemáticas. Si puede ver la curva bayesiana, si puede sentir el tiempo, eso es matemática. Tienes que matar las matemáticas para que se sienta vivo.

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