Los mejores álbumes de 2023 hasta ahora

Cada diciembre, los escritores de Treble ofrecen una celebración comunitaria de la música que resonó con nosotros durante todo el año. Pero seis meses antes de eso, nos gusta ofrecer un informe de progreso sobre la música que nos ha llevado a la mitad del camino. Con el punto medio de 2023 a solo un par de semanas, ese momento ha llegado.

Nuestra lista de los mejores álbumes de 2023 no está clasificada, ya que revisamos los 34 álbumes que más nos gustaron durante los últimos seis meses (más o menos un par de semanas), simplemente optamos por ponerlos en orden alfabético. Es una oportunidad para ponerse al día y disfrutar de un lote de favoritos recientes, que es una razón tan buena para hacer esto como cualquier otra.

La combinación de Backxwash y Billy Woods para el explosivo sencillo principal "Bite Back" fue el primer indicio de que Argel estaba tramando algo grande con su cuarto álbum. SHOOK resultó ser enorme. Su álbum más largo hasta el momento, y con un elenco increíble de colaboradores (¡Zack de la Rocha! ¡Samuel Herring! ¡Big Rube!), SHOOK encuentra al grupo dirigiendo su composición posindustrial embrujada a través del hip-hop, el jazz y el collage sonoro, aprovechando la alegría, dolor y comunidad a través de una declaración de ir por la quiebra que se siente como su declaración más unificada a pesar de lo amplio que oscila. Es un álbum que toma algunas escuchas para absorberlo por completo, pero solo una para hacerte sentir algo. -Jeff Terich

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Love in Exile se opone a muchos de los principios de improvisación del jazz. Es más delicada que explosiva, inmersiva más que performativa y, lo que es más importante, valora el vínculo tácito entre compañeros de banda en lugar de exhibirlos. El jazz tiene tanto que ver con la cooperación como con la competencia amistosa; empujando a tus compañeros de banda para que su estrella pueda brillar más. Aftab, Iyer e Ismaily evitan colectivamente los reflectores sobre Love in Exile, jugando con un acuerdo tácito de prosperar en la humildad. Sus piezas son escasas y evocadoras, como si estuvieran desafiándose entre sí para ver quién puede dejar una huella lo más pequeña posible. En realidad, no es la música lo que impulsa el disco, sino la química entre el trío. Te deja asombrado de cuán compatibles pueden ser tres personas sin compartir una sola palabra. – Colin Dempsey

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Furling de Meg Baird se siente notablemente familiar, con melodías en espiral y texturas cálidas tan inmediatas que es como si existieran fuera del tiempo. Lo último de Baird es un giro intencional hacia una composición de canciones más directa. La jugadora de Espers y Heron Oblivion escribe con una lente más clara que el ambiente espectral que creó con la arpista Mary Lattimore en Ghost Forests de 2018. Fuertemente influenciada por compartir un pequeño espacio doméstico con su colaborador y socio, el guitarrista Charlie Saufley, Furling es una celebración del hogar, meditando mucho sobre la centralidad de la música en la vida familiar. Hay un elemento pastoral en la fórmula más pop dominante de Baird, lo que la convierte en una de sus colecciones más accesibles hasta el momento. "Star Hill Song" es el tipo de canción que te convence de ver a Furling, "Will You Follow Me Home?" te alegrará de haberlo hecho. Estas canciones se fusionan tan brillantemente como brillan por sí mismas. Lo último de Meg Baird es imprescindible. -Patrick Pilch

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Un grupo londinense tímido ante la prensa que comparte su nombre con una canción de Pulp y anteriormente lanzó música en el sello World Music de Dean Blunt, bar italia une el pasado no muy lejano de la música británica con una neblina contemporánea. Su debut en Matador Records lleva cualquier número de significantes de principios de los 90 (holgado, shoegaze, slowcore) sin ser definidos por ellos, las interpretaciones instrumentales del trío siempre funcionan como un todo complementario, cada pieza gira en espiral y se entrelaza en un hipnótico ritmo lo-fi. El grupo evoca con éxito un aire de misterio sin exagerar a través de trucos cursis, solo un conjunto de canciones maravillosamente crudas y frías con un brillo brillante que emana de su núcleo. -Jeff Terich

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Después de tomar un desvío a través de la creación de un disco folk brillante con The Body, Big|Brave ha vuelto a lanzar un drone/post-metal emocionalmente devastador. Hemos escrito con elogios sobre este disco y por una buena razón: mientras que el trabajo orientado a drones a menudo puede parecer opaco para algunos oyentes, Big|Brave tiene la extraña habilidad de atravesar el ruido y penetrar profundamente en tu corazón, su sonido erizado de deseo. y la tensión, como un río que fluye. El vínculo con la música folclórica en la naturaleza muerta se ha convertido en un sustrato químico, que se nota cuando sabes buscarlo, pero que por lo demás se siente cómodo en el fondo, lo que lo convierte en su disco más poderoso hasta el momento. –Langdon Hickman

Leer más:La catarsis global de Big|Brave

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Este escritor tuvo la suerte de ver uno de los shows en vivo de Black Country, New Road el verano pasado, donde ocho de estas nueve nuevas pistas recibieron una salida. Fragmentos del set se abrieron camino en mis sueños y ahora están firmemente arraigados allí gracias al lanzamiento de esta excelente colección en vivo. Su música es más cincelada, intrincada y teatral que el avance de la banda, Ants From Up There. Hay momentos de verdadera belleza ("Turbines/Pigs" es asombrosamente bonito), así como fantasía barroca (la fantasía pastoral "The Boy") que reafirma el lugar de BC, NR como uno de los actos más audaces y emocionantes que han surgido. del Reino Unido en muchos años. –Tom Morgan

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En un nivel puramente estético, la evolución de Bully ha sido gradual, pero en términos de composición, el acto grunge-pop de Nashville ha crecido a pasos agigantados. El cuarto álbum de Alicia Bognanno, Lucky For You, es a la vez el más aventurero y el que más afecta emocionalmente, abordando la herida sin curar del dolor genuino y aprendiendo a amarse a uno mismo incluso cuando otros se muestran reacios a hacerlo. En el proceso, sin embargo, Bognanno aprovecha cada oportunidad para agregar un giro a la izquierda estilístico, ya sea enloqueciendo su mirada de zapatos en "Hard to Love" o eliminando los grandes arreglos de rock para una balada escasa e impresionante en "Ms. America". Que todavía suene tan distintivamente como Bully mientras abre dramáticamente lo que comprende es lo que hace que Lucky For You sea un triunfo. –Jeff Terich

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Debby Friday de Toronto no es una artista nueva per se, ya que lanzó un par de excelentes EP y un mixtape en 2018 y 2019. Pero GOOD LUCK, su álbum debut apropiado, se siente como una reintroducción necesaria a su ecléctica destreza artística. Friday abre un túnel entre la discoteca y la mazmorra gótica, infundiendo rap industrial con blues, construyendo una declaración cohesiva a partir de partes aparentemente contradictorias que funcionan en una armonía extraña y cacofónica. Se necesita cierto tipo de confianza para yuxtaponer un latido amenazante como "Hot Love" contra el pop eufórico de "So Hard to Tell", pero Friday es una presencia imponente, que siempre encuentra armonía en estas contradicciones. En "Pluto Baby", declara: "Esto es el cielo/Esto es el infierno". Y ella tiene razón. -Jeff Terich

Leer más:Armonía en disonancia de Debby Friday

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Después de la muerte del veterano miembro de Depeche Mode, Andy Fletcher, Dave Gahan y Martin Gore recuperan el tipo de inversión emocional apasionante que el grupo capturó por última vez en Ultra de 1997. Memento Mori es uno de los álbumes más fuertes de Depeche Mode en años, canalizando sus alturas de la era de los 90 (que fueron alturas subestimadas, sin duda), pero en lugar de la introspección alimentada por las drogas de la época, ofrecen una meditación sobre el dolor. Se canaliza en los ritmos y las melodías de estas canciones, dando vida al canturreo de barítono de Gahan mientras Gore toma su guitarra nuevamente. Oscuro y urgente, Memento Mori es un recordatorio del tipo de poder que Depeche Mode mostró por primera vez hace más de tres décadas. –Wil Lewellyn

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Leon Michels, de El Michael Affair, es uno de los productores favoritos de Black Thought. Crea producciones cálidas, lo-fi y pesadas, acuñadas por Michels como "alma cinematográfica". ¿Qué mejor lienzo para Black Thought, uno de los cinco mejores maestros de ceremonias de todos los tiempos, para tejer sus historias, cuentos con moraleja y películas aún por hacer? Glorious Game es un proyecto de colaboración entre los dos artistas fundacionales que conquista el tiempo, Kodachromes las vidas pasadas y las experiencias de los mejores de Filadelfia en el micrófono, mientras que Michels mantiene esa alma de bombo lanzando blues para que Tariq sea testigo. Este es material de primera, que demuestra cómo el hip-hop mejora con la edad. Como ya no tenemos a Biggie, Phife, Dave de De La Soul y tantos otros, Black Thought lleva la bandera y, a la edad de 51 años, el tipo todavía está rascando la superficie. Recuerda mis palabras: volveré a escribir sobre este disco cuando llegue la Navidad. – John-Paul Shiver

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Radical Romantics nos trajo una reunión de The Knife (más o menos) y dos colaboraciones entre Karin Dreijer y Nine Inch Nails, y sin embargo, de alguna manera, estos eventos que de otro modo robarían los titulares siguen estando a la altura de la visión general de Fever Ray. Más silencioso que Plunge de 2017, Radical Romantics hace la transición de la celebración animada de la sexualidad queer de ese álbum hacia algo más íntimo y silencioso. Con un conjunto de arreglos electrónicos que albergan capas para desplegarse lentamente y revelarse con el tiempo, Karin Dreijer ofrece un registro más personal de lo habitual mientras evita el foco cegador. Puede que solo sea un vistazo, pero es quizás lo más que hemos visto detrás de la máscara. –Jeff Terich

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La arena impresionante que explota del GEL de Nueva Jersey hace de Only Constant uno de los mejores álbumes de hardcore de este año aún en desarrollo. La banda no necesariamente intenta reinventar la rueda, sino que agrega sus propias florituras únicas a lo largo de caminos entrelazados establecidos por gente como GISM y Plasmatics para presentar una expresión honesta de ira. En un mundo más cercano a la guerra de lo que la mayoría de nosotros queremos admitir, este álbum ha sido el dedo medio sónico que necesitaba. Sus proclamas a garganta afilada de destrucción creativa están poseídas por una cruda claridad de propósito frente a guitarras de fuego rápido que atacan al oyente con propulsión metálica. –Wil Lewellyn

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En el comunicado de prensa de su tercer álbum, el grupo australiano de hardcore Geld "no ofrece ninguna promesa de un propósito o resolución superior". Esto absuelve un problema al que se enfrentan muchos lanzamientos del género; sus intenciones están ofuscadas por el ruido desenfrenado. El mensaje de Geld es que su música no tiene un propósito superior y puede tomarse al pie de la letra. Y qué cara tienen; más parecido a un jabalí quemado por el sol que a un ejecutor de mosh de cuello grueso. En la práctica, esto significa que Geld varía sus tempos, aumenta el fuzz de su producción y juega con sonidos no musicales que sus instrumentos pueden producir. Como tal, Currency//Castration es paradójicamente coherente y caótico, a veces en combate consigo mismo porque los aspectos que deberían ser desagradables son legibles. Afortunadamente, ambos lados de esa ecuación están en armonía, consolidando a Currency//Castration como uno de los mejores discos de hardcore violento del año. – Colin Dempsey

Leer más:El hardcore sin reglas de Geld

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Jugando como una fusión de Love Streams y su impecable obra maestra de un álbum doble con Konoyo/Anoyo, No Highs se sitúa en la línea entre el ambiente minimalista con respaldo tecno y la escena orquestal. Ignore la palabra "ambiente" en la etiqueta; esto tiene un alcance demasiado cinematográfico y sinfónico para que ese nombre tenga mucho sentido, en lugar de ser algo más cercano a un corazón. Normalmente leo mientras escucho discos pero este, al rugir en mis oídos, me ha obligado en varias ocasiones a cerrar el libro, cerrar los ojos y sumergirme en sus océanos. –Langdon Hickman

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Llamar a Scaring the Hoes "crujiente" es un cumplido del más alto nivel. Peggy y Brown habían colaborado antes en "Negro Spiritual" del álbum de Brown de 2019, uknowhatimsaying¿, pero esa pista era, considerando todo, dócil. Por el contrario, Scaring the Hoes es lo más "Danny Brown" que Danny Brown ha sonado en mucho tiempo, un grupo ambulante de hedonismo y risas tontas. Mientras tanto, JPEGMAFIA es el hombre serio, contrarrestando la extravagancia de Brown con versos cuyos dedos están hundidos hasta los nudillos en el pulso de las referencias de Internet y muestras de lucha libre profesional. Tiene una tendencia a adaptar sus ritmos a sus colaboradores, lo que significa que tiene mucho con lo que jugar gracias al entusiasmo de Brown. Ya sea "Fentanyl Tester" y sus ritmos de discoteca o los breakbeats que acompañan a "Jack Harlow Combo Meal", puedes escuchar el regocijo de Peggy al trabajar con alguien que responde "sí" a cada idea absurda. – Colin Dempsey

Los primeros sencillos que Kelela lanzó antes de Raven sugerían que los impulsos electrónicos de Kelela se inclinaban hacia los clásicos: house y breakbeats de los años 80 y 90, rave temprano y cultura underground. Eso es parcialmente cierto, pero aunque reconoce la influencia de generaciones negras y queer en la formación de la música electrónica, Kelela lo hace con la vista puesta en el futuro. Desde el primer tema, "Washed Away", se siente como si Kelela hubiera abierto un portal hacia el mañana, uno puntuado con elementos de la electrónica clásica pero mostrando una utopía de pista de baile donde la alegría y la melancolía se ofrecen con la misma receta de BPM uptempo. Hermosa, ricamente atmosférica y obsesivamente nocturna, Raven se siente como el tipo de noche que nunca querrías terminar. –Jeff Terich

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Es seguro decir que ninguno de nosotros entró en 2023 con la expectativa de que Khanate, los malhechores del drone-metal desaparecidos hace mucho tiempo, regresara con su primer conjunto de música nueva en 14 años, pero ha sido una agradable sorpresa escucharlos haciendo eso mismo. Además, To Be Cruel, la primera música nueva de la banda desde 2009, es su álbum más fuerte hasta la fecha. Todavía obsesionados con las apariciones y los antagonistas de su trabajo anterior, el grupo encuentra un equilibrio más interesante entre la pura abrasión y la improvisación más exploratoria, inspirada en el jazz, como sus compañeros y sucesores en Sumac. Masivo, impredecible y extraño en formas que solo Khanate puede ser, To Be Cruel refuerza que incluso una versión reunida de la banda solo conoce un camino a seguir. –Jeff Terich

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El álbum debut de larga duración de Yazmin Lacey, Voice Notes, es una exploración autorreflexiva de cuándo viene la llamada desde adentro. El cuaderno de bocetos digital, creado con los beatsmiths David Okumu, Melo-Zed y JD. Reid, cubre una hora, un ciclo de 14 canciones, que le permite a Lacey moverse con encanto en esas espaciosas aguas de música R&B adyacente que empuja a Betty Carter, Carmen McRae, Badu, Lauryn Hill y Sister Nancy a las propiedades futuras de la música negra. Siempre la vocalista relajada, menos es más, finalmente, obtenemos toda la brillantez que ha estado publicitando a través de EP durante los últimos cinco años. Ella relata la filosofía del artista de música electrónica de que la autoconciencia es un asesino de la creatividad en la introducción del álbum, "Flylo Tweet", mientras que un arreglo de ritmos más genial que tu mejor golpea el viento detrás de sus palabras.

"Pass It Back", mi favorito (estoy seguro de que tendrás el tuyo), swings con actitud, divertidos para la gente, como algo que Kaidi Tatham usaría para comenzar su set de DJ. Yazmin libera un poco de vapor cómodo de su psique, luego invita a todos a meterse en el atasco adyacente a Sade proporcionando la atmósfera adecuada. Te hace querer bailar hasta que salga el sol. – John-Paul Shiver

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En su álbum debut poco convencional e intenso, Mandy, Indiana, de Manchester, ofrece una marca abrasadora y abrasiva de noise rock, envuelto en electrónica y técnicas de grabación atípicas. Liderados por las flautas quejumbrosas de Valentine Caulfield cantando polémicas izquierdistas en francés, el grupo combina tambores estruendosos, sintetizadores industriales y guitarras cortantes con una furia absolutamente aterradora. Las canciones de i've seen a way muestran un nivel sublime de perspicacia compositiva, ya que el volumen, la potencia y la intensidad se manejan con precisión táctica. Es innovación sin pretensiones, creatividad sin afectación, sinceridad sin ingenuidad. – Adam P. Newton

Leer más:Mandy, Indiana quiere sacudir tus huesos

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Erin Birgy es una de las cantautoras más distintivas de la última década, inyectando dosis de honestidad inquebrantable y dolorosa en la abstracción poética y arreglos art-pop igualmente abstractos. End of Everything lo toca un poco más directo en ese frente, convirtiendo sus intrincadas melodías en canciones new wave más directas y con gancho, lavadas con radiantes tonos de sintetizador, mientras Birgy reflexiona sobre las experiencias vividas que gotean tanto de dolor como de esperanza. El título sugiere algo mucho más sombrío, y aunque hay más que suficiente ansiedad y derrota para todos, la belleza de End of Everything es un faro de luz en sí mismo, un recordatorio de la gracia que aún podemos encontrar incluso en un mundo tan cruel. . –Jeff Terich

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La cualidad que define a Dogsbody, el álbum debut del grupo de noise rock de Nueva York Model/Actriz, es su aspecto físico. Sus chillonas texturas de guitarra van y vienen, balanceándose en la cúspide de la violencia y el erotismo, el vocalista Cole Hayden atrapado en algún lugar entre el éxtasis y el colapso total. No es una escucha cómoda, por otra parte, ¿qué es el noise rock? Pero lo que separa a Dogsbody de un grupo como Chat Pile es su capacidad de transferir esa fisicalidad no estrictamente a las vísceras sino a los lomos, con una inmediatez que se siente un poco rara, un poco equivocada incluso, pero tremendamente divertida y reveladora a pesar de, o tal vez incluso por eso. –Jeff Terich

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"Synth-punk" es un término nebuloso, que evoca imágenes de experimentadores de antaño en lugar de actos vitales en la escena hardcore contemporánea. MSPAINT está firmemente arraigado en la floreciente escena estadounidense (su sello Convulse también lanzó lanzamientos increíbles este año de la talla de Gel y Gumm), pero es el único acto importante que usa sintetizadores pegajosos y coloridos en lugar de guitarras abrasivas. Las idiosincrasias no se detienen ahí. En su emocionante debut Post-American, las letras de MSAPAINT adoptan una perspectiva radicalmente positiva, propugnando el optimismo y las posibilidades del futuro. Las líneas finales de "Titan of Hope", mitad rapeadas y mitad ladradas por el líder Deedee, suponen la perspectiva refrescante de Post-American: "my mindset is a titan of hope / go!" –Tom Morgan

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WOW está ambientado en el destino turístico número uno de 2023, un lugar sin objetos tridimensionales, repleto de los colores más brillantes y donde la fantasía es la lengua nativa. Es más fácil describir el último álbum de Kate NV con descripciones tan débiles porque va en contra del lenguaje musical convencional. Se siente más como una ubicación que como un álbum, ya que su brillante paleta es más adecuada para descansar que para progresar, se juega como el menú principal de un videojuego, invitándote a unirte a cualquier travesura que tenga bajo la manga, alberga historias de frutas que se despliegan. de carretillas (¡qué tontería!), himnos que celebran la ambivalencia ("dd don't") y desfiles como una pelota que rebota en una cancha de squash. Es, simplemente, alivio. – Colin Dempsey

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El sexto álbum de Paramore, This Is Why, es una colección de 10 canciones, cada una de las cuales exuda el tipo de maestría musical informal y segura que solo puede obtenerse de una banda que sabe exactamente lo que quiere hacer y cómo hacerlo con precisión. El entusiasmo por su oficio se filtra a través de cada ritmo de bajo, cada riff de guitarra tartamudo y cada toque poco convencional del hi-hat, creando canciones que van desde la delicada y onírica "Crave" hasta la más agresiva "The News", que podría simplemente acerca de encajar en Riot! si alguien jugó con la distorsión. Este se siente como el álbum que Paramore ha estado construyendo a lo largo de su carrera, pero aún más inspirador, es el álbum del que, hasta hace poco, Paramore no se dio cuenta de que eran capaces. –Ed Brown

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Pile se estableció como una fuerza de campo izquierdo en el indie rock y el post-hardcore a través de álbumes como Dripping de 2012, pero más de una década después de ese hito temprano en su carrera, Rick Maguire y compañía se alejan cada vez más de la música rock y punk convencional, para efecto espectacular. Ha pasado un tiempo desde que el grupo hizo algo que podría llamarse "sencillo", pero en All Fiction, la influencia de cambiaformas musicales como Björk impregna su sentido de la atmósfera. A veces amenazando con convertirse en un álbum pop electrónico o ambiental justo a tiempo para un estruendoso clímax de rock, All Fiction is Pile como iconoclastas del art-rock, mezclando algunas de sus composiciones más memorables a partir de partes inverosímiles y convirtiéndose en la versión más fuerte de sí mismos hasta el momento. –Jeff Terich

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Las antiguas ciudades industriales del Reino Unido producen un doom metal increíble: Black Sabbath, My Dying Bride, Godflesh, Iron Monkey. Añadir a esta lista Cerdos Cerdos Cerdos Cerdos Cerdos Cerdos Cerdos, de la ciudad portuaria norteña de Newcastle. La versión de la banda del género es alegremente divertida, un estado de ánimo que se deleita en su último (y mejor) álbum, Land of Sleeper. Los riffs de "Big Rig" y "Mr Weatherman" son una delicia accesible y demuestran por qué la banda se ha ganado un siguiendo desde más allá de la esfera de metal. Si bien Land of Sleeper ofrece muchas emociones similares, cortes más extravagantes como "Ball Lightning" y el espeluznante "The Weatherman" también impresionan y doblan sin esfuerzo a Pigs x7 en formas nuevas y emocionantes. –Tom Morgan

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En Norm de Andy Shauf, los instrumentos instrumentales delicados y centelleantes se fusionan con el enfoque irónico del lirismo de Shauf, inclinándose hacia la autodesprecio en los momentos justos, jugando con la quietud de sus reflexiones nostálgicas. La pista destacada "Wasted On You" emplea violines para agregar un descaro puntuado a la continua pregunta de Shauf sobre si su amor "se desperdició en ti" o no. El álbum en su conjunto lleva la marca distintiva de rock suave de Shauf, que combina sintetizadores y guitarras tenues para resaltar el anhelo y la esperanza. Sangra con melancolía de una manera satisfecha, abordando el monólogo interior de Shauf arriba y abajo de encantadoras melodías de sintetizador. –Virginia Croft

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El cuarto álbum del trío de Brooklyn, Spotlights, encuentra al grupo dándose cuenta de quiénes son de una manera profunda. Más post-hardcore que metal, la elevada intensidad atmosférica de Alchemy for the Dead encuentra limitantes incluso en los confines de ese término. Esto llega al punto óptimo de ser sónicamente pesado, en lugar de estrictamente metal. Alchemy for the Dead no está alimentado por la agresión, sino por una expulsión directa de asombro, ya que sus letras introspectivas y sus impresionantes voces persiguen ritmos sincopados y riffs hipnóticos que zumban hacia el cielo. Sin embargo, la banda hace mucho más que simplemente marcar los sonidos correctos, sino tejerlos meticulosamente en algunas de sus canciones más memorables. –Wil Lewellyn

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Aquí en Treble, creemos firmemente que 2023 es el año de la música disco. En la cima de esa montaña resplandeciente se encuentra la reina Jessie en su esplendor real. En su nuevo álbum abrasador titulado descaradamente That! Feels Good!, Ware ofrece un proyecto impecablemente diseñado que se deleita con lo relajado y divertido que es. Estas diez pistas cinéticas simplemente no pueden quedarse quietas, y ella sabe exactamente cuándo ponerlas un poco sudorosas y luego dar un paso atrás para ventilar un poco las cosas. La música comienza con ritmos de bajo gruesos y golpes de caja sincopados, ondula hacia las teclas cálidas y luego fluye hacia los riffs de guitarra furtivos y los balidos de la trompeta antes de finalmente lograr una dulce liberación con el apasionado alto de Ware. Todo el proyecto es descaradamente cachondo de la mejor manera posible. – Adam P. Newton

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Mientras el espectro de la música creada por IA dominaba el discurso en la primera mitad de este año, el miércoles de Asheville, Carolina del Norte, ofreció una refutación asombrosa a la idea de un futuro de material auditivo de aprendizaje automático. Rat Saw God, el cuarto álbum del miércoles, envuelve instantáneas de narrativas autobiográficas en recuerdos sentidos y gotas de nostalgia y trauma: adolescentes a los que les bombean el estómago por una sobredosis de Benadryl, beben Fanta color orina y escuchan Drive-By Truckers en un viaje de regreso de Dollywood, e iniciar incendios en los campos al disparar cohetes de botella. La narración conmovedora, divertida y encantadoramente extraña de Karly Hartzman encuentra un respaldo igualmente idiosincrático en los arreglos del miércoles, saltando de un country alternativo cargado de gancho a riffs densos al estilo Sonic Youth, una mezcla de sonidos y experiencias demasiado específicos, demasiado extrañamente humanos para venir de cualquier parte. demás. Sin mencionar que un algoritmo nunca podría generar riffs tan enfermizos. –Jeff Terich

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Es difícil imaginar un disco de rap más Treblecore que este. Fusionando música electrónica experimental, tonos y texturas indie y rimas callejeras sucias que flotan con un flujo Doom posterior a MF, es imposible concebir un mundo en el que Maps no tenga un lugar alto para nosotros. billy está en medio de una racha salvaje y él lo sabe; Si bien está en debate si desbancará a Aethiopes (nuestro Álbum del año para 2022) como el mejor de su racha actual, absolutamente se registrará como un sólido álbum de rap. Su flujo es, como siempre, el arma real aquí, como un Voltron de todos los mejores elementos de lo mejor de Wu-Tang en su mejor momento. Es imposiblemente bueno. –Langdon Hickman

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No es frecuente que un músico publique un álbum que supere todo su trabajo anterior, pero el debut de larga duración de Yaeji, With A Hammer, abre una brecha entre él y sus lanzamientos anteriores por pura calidad. La DJ y rapera de Nueva York/Corea del Sur aparentemente ingresó a la cámara del tiempo hiperbólico en algún momento durante los últimos tres años, emergiendo como una artista que opera en un nivel completamente nuevo, llevando sus ritmos que antes eran amigables para los clubes a un lugar más raro. With A Hammer también desmantela la práctica de utilizar la música como medio para autoidentificarse. En cambio, Yaeji lo emplea para reflexionar sobre sí misma, llenando sus pistas con revelaciones terapéuticas que llegaron años después de que ella procesara sus emociones reprimidas. Es decir, With A Hammer se desborda con líneas que te obligan a inspeccionarte a ti mismo y a tus creencias, como "¿No es tan extraño cómo aprendemos a / Transmitir lo que no queríamos hacer? / ¿No es así? ¿Es nuestra misión en esta vida / Romper los ciclos, hacer que te haga reparar los ciclos? – Colin Dempsey

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El título del último álbum de Yo La Tengo de material original basado en canciones hacía referencia a Sly Stone en medio de una América que se volvía más tensa cada día; el título de su seguimiento parece encontrar al grupo vomitando sus manos en señal de resignación de que nada ha mejorado desde entonces. Pero en This Stupid World, hay alegría y brío a pesar de ello, frustración y resignación también, pero nunca derrota. La química y el sentido de libertad de la banda son tan fuertes como siempre, produciendo un conjunto de canciones que no se sienten atadas por lo que vino antes, pero que encajan cómodamente en el cuerpo de trabajo de la banda, desde sus meditaciones más suaves hasta sus distorsiones más salvajes. . Si todavía hay ansiedad e incertidumbre en la música de Yo La Tengo, están trabajando en ello de la mejor manera que saben: a través del simple e inconmensurable placer de hacer música juntos. –Jeff Terich

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Con un enfoque atrevido, audaz y experimental, Yves Tumor crea un nuevo lote de canciones pop explosivas en Praise A Lord Who Chews... Cada pista muestra su enfoque en evolución y consistentemente poco convencional; "God Is A Circle" se lee como una versión pesada del rock alternativo de los 90, mientras que "Heaven Surrounds Us Like a Hood" se inclina hacia un tono psicodélico y más funky, y "Meteora Blues" tiene toques de post-punk en su estilo despojado. abajo el sonido de la guitarra. Si bien cada canción puede tener su propia identidad, hay una cohesión dentro de la música que las une, el álbum encuentra su propio nicho, rebosante de vida. –Virginia Croft

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